LOURDES CEDRAN e sua arte do coletivo inconsciente

- Sou uma pessoa intuitiva e procuro exprimir-me com a maior espontaneidade, sem preocupações intelectuais, mas creio que a minha arte tem uma tendência mágico-espiritualista... Na minha espontaneidade manifesto principalmente coisas do inconsciente e não sei explicar porque determinados códigos ou alfabetos ocorrem... Talvez seja manifestação de um inconsciente coletivo ou cósmico, como dizem os orientais. 

Mário Gruber, Lourdes Cedran e Mário Schenberg

Lourdes Cedran nasceu em Valinhos, estudou arte na “Delarte”, foi aluna de Bonadei. Ionaldo Cavalcanti, Jachieri e Rissone. Desde 1965 vem expondo em S. Paulo, Rio, Belo Horizonte, Salvador, Florianópolis, Belém, Curitiba e outras capitais. Prêmios: Medalha de Bronze, XV SPAM; Prêmio Estímulo, I Bienal de Artes Plásticas da Bahia, 1º Prêmio-Escultura, Salão de Santo André; Prêmio de Aquisição, 3º Salão de Jundiaí; Prêmio de Aquisição, Prefeitura de Piracicaba (Desenho); Prêmio de Aquisição, Prefeitura de Piracicaba (escultura). Tem várias obras em museus e coleções particulares de importância, no País e no exterior. Esteve na Europa em missão cultural do governo de S. Paulo e integrou a Missão Cultural Brasileira que viajou para Assumpção, Paraguai. Dinâmica, franca, ardente, empolgada. Lourdes Cedran vai mantendo uma trajetória ascensional no panorama da arte em, nosso país. Na “A Ponte”, galeria de Berta e Isaac Krasilchik, faz uma individual, mostrando (e vendendo bem) 32 trabalhos - desenhos em técnica mista, série 1973. Ao lado de duas grandes amigas, a artista Anésia Pacheco e Chaves e a legendária Lígia Freitas Valle, dialoga com firmeza e inteligência. Alguém diz que o crítico Kruse acha em suas obras uma “volta do vazio absoluto”, com um “conteúdo que indaga”. Lourdes: 

- Suponho que ele queira ressaltar a utilização comunicativa no meu desenho, além da pura plasticidade... Isso existe em todos os meus trabalhos artísticos. Há vários anos sinto a importância do vazio, não só como uma função plástica, mas também como elemento básico de comunicação e de sugestões psíquicas e metafísicas... Para mim, o vazio é o mistério primário. 

- Considera ainda ele que “a simplicidade de seu traço é pedagógico e único na arte brasileira”...  

- Creio que o traço em si é profundamente característico da personalidade do artista, e, claro, cada um tem o seu traço, talvez até por uma razão biológica... O que varia muito é a utilização do traço... Eu procuro dizer o máximo pela linha. 

- Como vê a arte brasileira? E em outros países? 

- Acho que arte brasileira evoluiu e assumiu um papel muito importante no campo da arte mundial, notando-se o desenvolvimento de tendências tipicamente brasileiras em várias formas de arte, carregadas de nossa luz, nossa cor e vida... Sinto que a arte brasileira, ou melhor, o artista brasileiro, se libertou muito das influências da arte européia, criando as suas próprias características... No campo da arte mundial há um espraiamento de tendências em transformação rápida revelando a complexidade e a angústia do homem contemporâneo. 

- Que achou da XII Bienal? 

- Ainda não vi toda a Bienal, pois prefiro vê-la em etapas... Do que vi, ou seja, parte do 2º e 3º andares, achei o Grande Prêmio, dado ao belga Foulon, muito justo... Seu trabalho não só é magnífico como de uma sutileza difícil e encontrar e atingir no desenho... Ele conseguiu através de um método que “alguns” chamariam antigo, uma atualidade arrasadora... Vilalba, o espanhol, é tragicamente belo, forte e arrojado, refletindo bem o momento angustiante que o mundo está atravessando... Barrocal, outro espanhol sensacional, é muito inventivo, de uma beleza plástica que me impressionou... Lembro ainda Camerino, da Suíça, muito bom, como achei magnífico os repolhos do Japão, nem como o “silk-screen” desse país, realizado em terra... Darcy Penteado, entre os nossos, é um dos que devem ser vistos, com a sua proposta de humanização do mundo e do homem que está se robotizando... É de estremo bom gosto e requinte e logo se vê ser o trabalho de um esteta. Num pequeno apanhado geral, acho que esta Bienal está mais dinâmica, mas tem ainda que se libertar e se reformular em vários campos. 

- Como encara arte conceitual com a dita arte moderna? 

- Invertendo um pouco a ordem, acho, em primeiro lugar, que a arte moderna tem passado por inúmeras transformações e fases desde o começo do século, não podendo ser identificada com nenhuma delas, tomadas individualmente. Muitas vezes percebo o mesmo impulso expressivo manifestado por meios diferentes e com estilos bem diversos... O desaparecimento de determinados tipos de manifestação não pode ser considerado como fim da arte moderna... A arte conceitual, como a vejo, corresponde a uma preocupação de dar um conteúdo de idéia à arte... Desse modo pode-se considerá-la como uma das tendências eternas da arte, mais fortes em alguns períodos, menos em outros... Creio que há uma necessidade de uma arte magia ao lado de uma arte conceitual para exprimir os conteúdos espirituais supra conscientes, como dizem os indús. Eu mesma, na I Bienal da Bahia, onde fui premiada, fiz a aproximação entre arte conceitual e arte mágica... A arte moderna é predominantemente um processo de comunicação entre o artista e os fluidores da obra, que é vista como um instrumento de comunicação e não como um objeto em si... Daí a possibilidade de o artista utilizar qualquer coisa como instrumento dessa comunicação, inclusive os detritos. 

- E como vê a escalda dos múltiplos, dos objetos, não haveria aqui uma massificação da arte? 

- Não deve ser confundido o múltiplo com a massificação da arte... O múltiplo é apenas a utilização da idéia básica, já contida na gravura, para outros campos de arte... A massificação tem o inconveniente de uma banalização de imagens e objetos cuja força expressiva sofre sempre um desgaste. 

- E o trabalhos dos marchands e galerias, os leilões... 

- Enquanto a obra de arte continuar como uma mercadoria existirão instrumentos de sua distribuição no mercado, como galerias, “marchands”, leilões, etc. O leilão teve uma influência considerável para a expansão do mercado de arte, atraindo e criando novos colecionadores... Por outro lado, muitas vezes leva a especulações prejudiciais, freqüentemente vinculadas a circunstâncias extra-artísticas, como altas e baixas da Bolsa ou as influências do mercado imobiliário... Considero prejudicial à criação artística, assim como a compreensão a e fruição da arte, a sua transformação numa forma de investimento de capital. 

Lourdes Cedran agora fala de si, provocada. Este ano vai para o exterior, cumprir compromissos assumidos em viagem anterior. Já termina trabalhos para a importante galeria “L’Oeil de Boeuf”, de Paris. Diz que só trabalha à noite, depois das 23 horas, e muitas vezes até o amanhecer - é noturna por natureza, nada disciplinada. Chega a ficar meses sem realizar uma obra de arte, só pensado e sonhando, de repente desce a inspiração, trabalha noites e noites sem dormir... Está vendendo bem seus desenhos, base de Cr$ 2 mil a Cr$ 2,5 mil cada, em galerias ou fora delas. Seu dia-a-dia é o de cumprir as obrigações de funcionária pública ligada ao setor estadual de artes e os cuidados de dona de casa, com marido, filho, etc. Hobbies, dois: a coleção e anéis, que aumenta a cada país que vai e a de bonecas típicas, idem, idem... Confessa que leu toda a obra de Somerset Maughan, que aprecia muito, mas sua paixão mesmo é Goethe, que a envolve completamente... Também prefere David Neal e Gustav Meyrink, e, entre nós, afora outros, Clarice Lispector, que acha fascinante. E na poesia: Baudelaire, Bandeira, Neruda, Maiacovski, todos eles, é claro, sem esquecer Tagore. E Lourdes ainda acrescenta, antes que a interrompam, os dois mestres geniais - Tolstoi e Dostoievski. Alguém fala dos jovens, hoje em dia, Lourdes retorna a palavra. 

- Sim, os jovens têm tido oportunidade e, sobretudo há os que crêem neles, como eu... A audácia é uma de suas características, porque ainda não se comprometeram, e a associam sempre à sua criatividade muito mais autêntica e séria do que a de muitos artistas que se dizem “realizados”... Realmente, o jovem de hoje é uma fonte borbulhante de criatividade, e apenas em alguns casos ela às vezes não é devidamente utilizada ou é mal utilizada. 

A Cedran está falando agora de um jovem que adora, um jovem artista de 77 anos - Volpi. 

- Volpi é para mim o símbolo do artista que conseguiu através de toda a sua vida e obra permanecer puro, sem se macular ou se comprometer com quaisquer injunções, sejam as de ordem artística ou comerciais... Dentro dessa pureza e autenticidade ele criou seu trabalho e foi evoluindo sem pressa, sem concessões, sem vaidades, no caminho seguro do artista coerente, que vai dizendo a sua linguagem sem se preocupar em agradar este ou aquele... Se formos analisar a sua obra desde a fase acadêmica até a delicadeza da sua síntese atual poderemos constatar sua evolução, sem influências exteriores... Na medida em que os elementos foram-se tornando supérfluos na construção do trabalho, ele foi amplificando, sintetizando e enriquecendo a cor e a composição num processo de despojamento e beleza único na arte brasileira... Volpi soube dar a uma “bandeirinha” a dignidade, o corte, a força plástica que jamais se viu em outro artista... Creio que Volpi é um dos poucos artistas que realmente permanecerão na história da arte brasileira. 

A TRIBUNA 28 de outubro de 1973.

GRASSMANN, 50 ANOS: confissões

Marcelo Grassmann

Acho que o que mais se sente aos chegar aos 50 anos é uma certa tristeza que baixa na gente quando se pensa ou se fala de Goeldi, Bonadei, Sérgio Milliet, Delmiro, Luiz Coelho, Arnaldo Pedroso d’Horta, Walter Wey, a falta que eles fazem, a solidão aumentando. 

Premiado, afamado aqui e internacionalmente, Marcelo Grassmann está completando 50 anos. Trabalha com afinco em seu ateliê-residência de Santo Amaro, que pretende transferir para o sítio (3,5 alqueires) de Itapecerica da Serra, para fugir “à poluição física, ambiental e mental de S. Paulo”. Ao lado de sua mulher austríaca Sônia, que conheceu na Bahia, em 1950 - era proprietária da galeria Oxumaré e ex-artista de circo, - e do filho Paulo, de 16 anos, Grassmann elabora sua arte expressionista magistral, fugindo dos marchands e das galerias comerciais como o-diabo-corre-da-cruz. Sônia é também uma artista de mão cheia - pintura em acrílico - compondo suas produções “naives” com temas fidedignamente semelhantes aos do marido. Sua arte é disputada no mercado, Benjamin Steiner é um dos maiores compradores de “Sônia Grassmann”. 

Grassmann cinqüentão, vai desfiando impressões e confissões, sem maior ordenamento, mas com a sinceridade de sua fala detalhada e enxuta: 

AMIGOS

“Gostaria de falar de alguns amigos como Otávio Araujo, com quem convivo desde os 14 anos de idade, ou Aldemir, de quem sou amigo logo que ele chegou a S. Paulo, lá por 1945 ou 1946. Depois, em 1949, fui para o Rio indo morar no ateliê de um jovem pintor e gravador de enorme talento, hoje ator, Cláudio Correia e Castro. E de Stockinger, que na mesma época e no mesmo lugar começava na escultura, - juntos expusemos no Rio e em S. Paulo muitas vezes, numa identificação muito grande até hoje. 

 DIA-A-DIA 

Acordo cedo, faço café, tomo banho, leio jornal. Vou para o ateliê mexer nas coisas, trabalhar, etc. Ao meio-dia assisto (notícias) televisão, almoço, cochilo (quando posso) e volto ao ateliê. Se vem algum amigo, converso (não consigo trabalhar com gente perto). Gosto de animais e tem sempre m gato ou cachorro à minha volta. A tarde saio um pouco para ver alguém ou alguma galeria. Volto para casa para jantar, ver TV (filmes, noticiários, documentários, sem medo de lavagem cerebral). Isto me lembra um bolsista brasileiro em paris, pintor acadêmico, que não ia ao Louvre para não se influenciar... Assim penso que aquilo que chamam lixo cultural ou comunicação de massas, ou o que quer que seja, me dá uma visão do dia-a-dia distorcida ou não (o problema é meu, julgar). 

INFORMAÇÃO 

Quanto à informação como artista, devo muito a Geraldo Ferraz, com quem trabalhei até 1949 no Suplemento do “Diário de S. Paulo”, ilustrando e absorvendo seus artigos e críticas. Havia o Clube dos Artistas e muita conferência. Não sou de escrever, no máximo de conversar, no entanto mantive correspondência (quando passei 2 Anos na Europa) com Arnaldo Pedroso d’Horta e Oswaldo Goeldi. 

TÉCNICAS 

Comecei com xilogravuras autodidaticamente, depois fiz água forte com Henrique Oswald no Liceu do Rio de Janeiro em 1949/50. Fiz litografia com Poty, que estava aprendendo e ensinando o que aprendia. Mais tarde (1954) passei um ano só fazendo litografias em Viena. Voltando ao Brasil, depois do prêmio de viagem à Europa, parei com a xilogravura e fiquei desenhando. E gravando em metal e pedra. 

INFLUÊNCIAS

O mundo fantástico de Kubin me fascinava. Escrevia a ele que rendo conhecê-lo. Recebi uma carta maravilhosa em que ele me dizia que “onde houvesse um desenho seu estaríamos nos comunicando na linguagem internacional das artes”. Disse também que poderia ver coleções de desenhos seus e mandava ao seu velho amigo Goeldi suas lembranças. 

PRODUÇÃO 

Dificilmente poderia dizer quantas gravuras fiz; menos ainda quantas cópias. Assim, aqui vão alguns números. Xilogravuras: aproximadamente umas 200,com tiragens variando em 20 ou menos; litografias - cento e tantas com média de 6 a 8 cópias por matriz; água-forte - creio que cento e tantas, variando a tiragem por prova única - 20 ou 60 cópias. Restam poucas matrizes (menos de 1/3 do que fiz em metal). Das xilos, nem um décimo. E das litos, nada, pois foram apagadas depois de impressas. 

HOMENAGEM 

Carlos Oswald, Goeldi, Lívio Abramo são a base de tudo o que se faz em gravura no Brasil. O que se ensinou depois, inclusive Friedlander,. No Museu do Rio, são acréscimos dispensáveis e até prejudiciais onde a “cozinha de gravura” floresceu e ajudou a enterrar os menos avisados. 

JOVENS 

Os jovens hoje tem mais oportunidade que em qualquer outra época. Há facilidade de informação, de técnica, e até de mercado.

MUSEU 

Seria interessante, não o Museu da Gravura, como já se propôs, mas um Museu de Gráfica, onde caberia também o desenho. 

 “Entre o visionário e o fantástico” 

Ao apresentar Grassmann na galeria 4 Planetas, em S. Paulo, em 1966, Geraldo Ferraz fala da intransigente autenticidade do artista. “Não há aqui acontecimento, nem pops nem ops nenhum relevo estranho à verdade da gravura. Nenhuma coisa grudada nela. Sua grandeza irrecusável advém da própria coisa em si - arte, pois nenhuma outra coisa, passada por coisificação, pelo esforço do homem, é mais um fito em si que a arte”. 

Marcelo Gassmann

Agora, Geraldo Ferraz apresenta Grassmann na mostra da CCBEU, de Santos. 

“De 1944 a 1946 dedicamo-nos à crítica de arte, no “O Jornal”, do Rio de Janeiro, e foi nessa quadra, já no fim, que deparamos com Marcelo Grassmann, e mais três companheiros, expondo na Cinelândia. A vinda para S. Paulo, logo depois, levaria a uma aproximação maior, a uma avaliação maior do desenhista e gravador, que hoje pela primeira vez se apresenta ao público de Santos. 

“Marcelo Grassmann dispensa certamente que se fale de sua gravura. Os trinta anos quase decorridos daquela data acima assinalada, deram à sua vivência de artista uma continuidade ascensional, como pouco se têm verificado no país. Adstrito aos temas que se desdobravam na fidelidade de sua visão adstringentemente original, entre o visionário e o fantástico, Grassmann paira acima de qualquer discussão. Ele pertence à arte maior. 

“Revê-lo, então, em sua mesma configuração física, em seus gestos de amarga perquirição, olhos cansados de contemplar as imagens que povoam sua noturnidade romântica, e que ele avalia e indaga e fusiona, é recordar como não se alterou essa individualidade, em sua evolução ao longo do tempo. Ilha Verde, Guarujá”. 

Grassmann assinando seus trabalhos

Queijo e vinho 

A fim de homenagear os novos cinqüentões Marcelo Grassmann, Aldemir Martins e Octávio Araújo, a diretoria do Clubinho está convidando artistas, intelectuais e jornalistas, colecionadores e público em geral para uma noite de queijos e vinhos, dia 28 próximo, às 21 horas. Entre os promotores o secretário da Cultura, José Mindlin, o professor Paulo Emílio Salles Gomes e o zoólogo Paulo Vanzolini. Convites a Cr$ 100,00 a adesão, desde já, na portaria do Clubinho, Rua Rego Freitas, IAB. Folha de São Paulo, 24 de agosto de 1975.

A COSME VELHO E SUAS GRANDES EXPOSIÇÕES

Volpi - catálogo da Cosme Velho

A COSME VELHO só fez quatro grandes exposições em 73: Arnaldo Barbosa, Waldemar da Costa, Alice Brill e Alfredo Volpi.

Fundada em 1966 por Cesar Luís Pires de Melo, Artur Otávio Camargo Pacheco e Flávio de Almeida Prado, é dirigida hoje pelos dois primeiros, com a secretaria de Christina Faria de Paula. Galeria classe “A”, em promovido grandes lançamentos de arte e tradicionalmente, no fim do ano, edita um famoso calendário, muito disputado, anunciando as exposições do ano próximo e ainda com reproduções de obras de cada artista. Entre os artistas que tem realizado individuais na Cosme Velho se destacam Volpi, Di Prete, Mabe, Iolanda Mohaiyi, Scliar, Pennachi, Iracema Tamaki, Flávio de Carvalho, Ianelli, Isabel Pons, Carlos Lemos, Rebolo, Odriozola, Nicola-Douchez, Guilherme de Faria, Charoux, Graciano, Noêmia, Wong, Bernardo Cid, e outros. Seu acervo é de primeira ordem, contando com os citados  e ainda Ismael Nery, |Portinari, Goeldi, Di Fiori, Pancetti, Guignard,  Aldemir, Bruno Giorgi, Di Cavalcanti, Milton Dacosta, Darel, Fukushima e outros
.

Márcia Drucker, escritora, diz sobre a Cosme Velho:

– Para usufruir da galeria que tem suas mutações, ela vai evoluindo, se transformando. Abrindo portas e descerrando cortinas vamos descobrindo seu interior.

– Aqui existem os mais estranhos mundos, construídos pelos mais estranhos seres, que vivem agora ou continuam através de suas obras. Na Cosme Velho não existe tempo. Já se apagaram da memória as ruas e praças revestidas de asfalto na cidade de cimento. Passa-se por um período de azul, de verde, de vermelho. Todos continuam dias e dias conosco. Os convites são muitos. Esqueça-se das horas pesquisando. O acervo, a biblioteca, filmes e conhecedores do assunto. Um pequeno museu. O jovem deve frequentar cada vez mais a galeria. Para voar precisamos experimentar devagarinho. É longo o aprendizado. “Toque a campainha”. Esta porta dá vontade de deslizar para o começo: Cidade carrossel, fragmentada louca, girando louca girândola, guizos engrinaldados, corcéis. Imaginação. Olhe para os lados. Tudo tem seu significado. Esta galeria também é arte.

A COSME VELHO só fez quatro grandes exposições em 73: Arnaldo Barbosa, Waldemar da Costa, Alice Brill e Alfredo Volpi.

Fundada em 1966 por Cesar Luís Pires de Melo, Artur Otávio Camargo Pacheco e Flávio de Almeida Prado, é dirigida hoje pelos dois primeiros, com a secretaria de Christina Faria de Paula. Galeria classe “A”, em promovido grandes lançamentos de arte e tradicionalmente, no fim do ano, edita um famoso calendário, muito disputado, anunciando as exposições do ano próximo e ainda com reproduções de obras de cada artista. Entre os artistas que tem realizado individuais na Cosme Velho se destacam Volpi, Di Prete, Mabe, Iolanda Mohaiyi, Scliar, Pennachi, Iracema Tamaki, Flávio de Carvalho, Ianelli, Isabel Pons, Carlos Lemos, Rebolo, Odriozola, Nicola-Douchez, Guilherme de Faria, Charoux, Graciano, Noêmia, Wong, Bernardo Cid, e outros. Seu acervo é de primeira ordem, contando com os citados  e ainda Ismael Nery, |Portinari, Goeldi, Di Fiori, Pancetti, Guignard,  Aldemir, Bruno Giorgi, Di Cavalcanti, Milton Dacosta, Darel, Fukushima e outros.

Márcia Drucker, escritora, diz sobre a Cosme Velho:

– Para usufruir da galeria que tem suas mutações, ela vai evoluindo, se transformando. Abrindo portas e descerrando cortinas vamos descobrindo seu interior.

– Aqui existem os mais estranhos mundos, construídos pelos mais estranhos seres, que vivem agora ou continuam através de suas obras. Na Cosme Velho não existe tempo. Já se apagaram da memória as ruas e praças revestidas de asfalto na cidade de cimento. Passa-se por um período de azul, de verde, de vermelho. Todos continuam dias e dias conosco. Os convites são muitos. Esqueça-se das horas pesquisando. O acervo, a biblioteca, filmes e conhecedores do assunto. Um pequeno museu. O jovem deve frequentar cada vez mais a galeria. Para voar precisamos experimentar devagarinho. É longo o aprendizado. “Toque a campainha”. Esta porta dá vontade de deslizar para o começo: Cidade carrossel, fragmentada louca, girando louca girândola, guizos engrinaldados, corcéis. Imaginação. Olhe para os lados. Tudo tem seu significado. Esta galeria também é arte.

SEPP no Brasil: reintegração à realidade

Sepp Baendereck, 56 anos, iugoslavo de ascendência austríaca, desde 1948 no Brasil - em sua terra, na Áustria, como aqui, detentor de uma vida rica de sucessos e frustrações, fugas e decepções, falências, terapias, até o “renascimento e o reencontro” com o homem e o mundo - está expondo, no Museu de Arte. São 38 óleos, últimas obras, resultado de pesquisas e elaboração, dentro de uma temática brasileira, sobre nosso povo, nossas raízes e nossos costumes. A exposição “Brasil terra e gente”, abriga também fotografias da irlandesa/brasileira Maureen Bisilliat, de índios Xavantes, Suia, Txucarramãe - e que inspiraram muitas das telas hiper-realistas de Sepp. Catálogo bem elaborado - não fosse Sepp, entre outras atividades, publicitário de renome atualmente ativa grupo de colegas e empresários num movimento para a constituição da Fundação Empresarial Pró-Artes, cujo objetivo é estimular a participação ativa de empresas e indústrias em programas de desenvolvimento das artes. E ainda com críticas de Pierre Restany e André Laude, listagem de exposições, resumo biográfico, bibliografia (Geraldo Ferraz, seu primeiro apresentador, 1964), relação das obras e reprodução a cores das 38 obras expostas. 

Paisagem colorida - serigrafia /1985

No MASP, crítica e público vêem um Sepp diferente, que aboliu em suas obras as articulações abstratas, os signos cabalísticos, os símbolos domésticos e os grafismos visuais, para regredir ao figurativismo do cotidiano indígena, do interior caipira, “pintando prosaicamente, sem lirismo, a realidade brasileira”, como diz seu apresentador, o diretor do MASP, prof. P. M. Bardi. Um Sepp cultivador da realidade exterior, hiper-realista (ou, realista a caminho de um hiper-realismo total), sensível com visão subjetiva, um artista que programa e sente agora uma pintura quase verista, como quer Restany. Capaz de compreender o milagre da natureza brasileira e abolir de vez a alquimia da cultura européia. Como se sente, assim, esse Sepp Baendereck liberto e humano, vero e ele mesmo capaz de erguer sinfonicamente sua música de cores e temas à nossa gente, à nossa terra, ao nosso índio, ao nosso meio? Sepp nos responde. 

O que o levou a pintar terra e gente brasileira? 

Foi a percepção. Geralmente, as pessoas bem integradas submetem a sua visão e a sua percepção sensorial à conveniência de esquemas pré-estabelecidos e perdem o sentido da realidade, “Como vai?” “Tudo bem, tudo azul”. Cultiva-se o que convém e ignora-se o que não convém. Estou pintando há trinta e três anos. Há dois anos, mais ou menos, encontrei um livro de fotografias de Maureem Bisilliat que me tocou. Aquelas fotos da gente das Minas Gerais, evocando Guimarães Rosa, de repente ganharam uma tremenda importância para mim. Decidi fazer quadros representando essa gente. Já há algum tempo tinha voltado à figura humana e agora creio ter encontrado a motivação certa para minha obra. Que melhor assunto poderá haver do que as faces e os corpos dessa gente de nossa terra, tão ignorada e desprezada, porém tão digna de sua simplicidade humana e inata cordialidade? Geralmente, quando falamos em índio, caiçara, caboclo, bóia-fria, colocamo-nos fora de qualquer possibilidade de uma reação pessoal com um deles como personagem única. Quando pinto um índio, procuro retratar o indivíduo, exclusivamente ele, insofismavelmente distinto dos outros de sua tribo ou comunidade. Acho que isto é o importante. Gostaria que meu quadro ajudasse a perceber e a sentir que, antes de mais nada, existe a pessoa humana. Retratando a realidade, mexendo com as características físicas do objeto, disperso as conotações para enxergar as coisas como são e não como estamos condicionados a pensar que são. 

Percebo nos artistas plásticos o despertar de um grande interesse pelas coisas do Brasil. O seu trabalho, ora em exposição, confirma esse fenômeno? 

- Existe no mundo inteiro um enorme movimento de volta ao realismo na pintura. Inegavelmente, essa tendência já se percebe também no Brasil. Um grande número de artistas, principalmente os jovens, já não se encanta em seguir modelos importados de criação abstrata e conceitual e sente uma tremenda vontade de representar em seus trabalhos aspectos da realidade. Essa tendência será cada vez mais forte à medida que o esforço do pintor realista for mais gratificante. É óbvio que uma vez que o artista se ocupa com a percepção da realidade, forçosamente terá que atuar como observador e intérprete da realidade brasileira. E aí está a enorme oportunidade e desafio para a criatividade plástica. Este imenso Brasil desconhecido, ao mesmo tempo infinitamente belo e rico, é fascinante como paisagem humana. Realmente, não faz mais sentido continuar ignorando essa realidade, como não faz mais sentido continuar enchendo salões e salas de exposição com quantidades enormes de obras à la Paris, Londres e Nova York - algumas mesmo já fora de moda - quando podemos sentir em nossa própria casa essa inesgotável riqueza de inspiração: nossa terra, nossa gente. Até há algum tempo atrás eu mesmo ignorava essa fonte de motivação. Hoje viajo pelo Brasil, fotografo e pinto meus quadros o quanto poso. Estou muito feliz em verificar que outros pintores cultivam o mesmo interesse. 

Como se processa a elaboração de seus quadros? 

- Sempre parto de uma fotografia. Como já disse antes, em 74 pintei uma série de quadros baseados em fotos de Maureen Bisilliat. Depois, usei como referência fotos do Rei Leopoldo de Bélgica, depois fotos de dois ingleses que participaram de uma expedição ao Xingu da Royal Society e Royal Geoghaphical Society. Em 75, comecei eu mesmo a fotografar. Agora, uso apenas fotos minhas. Às vezes projeto a fotografia na tela, para facilitar o desenho. Outras vezes, faço-o livremente. Depois de definido o desenho com pincel e tinta, começo o trabalho usando a cor, em camadas sucessivas, aumentando gradativamente a sua intensidade. Este processo de elaboração é tão importante quanto a própria idéia criativa. Enquanto decorre o trabalho, mil decisões se sucedem relacionadas com a minha vontade inicial de retratar uma determinada cena. Realmente, um número inacreditável de decisões racionais e irracionais, lógicas, intuitivas, filosóficas, teóricas e técnicas entra em jogo quando escolho uma fotografia para pintar um quadro. Quando digo que neste meu trabalho o processo de pintar é importante - e isto é parte integrante do conceito criativo - quero explicar que jamais poderia chegar a um resultado final que não tivesse a disponibilidade de tempo e paciência ao dizer que, acho fascinantemente bonito pintá-la. 

Como se sente, deseuropeizado em sua arte? 

- Liberto. Oxigenado. Consciente. Evoluído. Reintegrado à ordem humana, como disse Laude, citando as próprias palavras do anarquista francês, colaborador do “Le Monde”: “Nem deus, nem rato. Nem mago, nem macaco. Homem. Este Brasil, que há longo tempo ele (Sepp) contempla, ele o escolheu, este Brasil de vigor solar, de segredos profundos, este pais colorido como uma partitura de freejazz, onde flamejam certos dias, certas noites, os sangues esplêndidos, este país veste como pele meu amigo Sepp”. Folha de São Paulo, domingo, 8 de novembro de 1976. 

óleo sobre tela - 1965

UM ESTETA À PROCURA DA MELHORA ESPIRITUAL 

– As vanguardas aparecem mais pelo lado destrutivo... A arquitetura atual visaria não tanto a destruição da cultura, mas a sua ressurreição... Coloco-me diante das vanguardas, proponho alguma coisa... Se isso é honesto, é o que sou... Essa a minha forma de expressar, de viver... Se estou nesse mundo é porque faço parte dele... Não filosofo antes de agir. Ajo, depois penso... Posso exagerar em certas telas, mas não ao longo de minha arte... Essa minha exposição criou um impacto no público, ela o tocou, conflitou... De crítica, não, nossa crítica, com raras exceções, está de férias, também com essa enxurrada de zeros à esquerda que ha por aí... Sim, ofendeu-me profundamente quem disse que minha obra é “tropical” e “decorativa”... Tendo ora para o figurativo, ora para o abstrato; a minha arte é sempre um objeto de valor estético... Busco sempre a síntese, nelas entram forças contraditórias em conflito, conflitos que estão dentro do meu eu... Também enveredei pelo mágico, pelo surrealismo. Tudo é válido dentro dos juízos que faço da arte e do que ela representa para mim. 

Seep Beandereck nasceu na Iugoslávia em 1920. Estudou direito na universidade de Belgrado, Desenho em Berlin e Pintura na Academia de Belas Artes de Zagreb. Em 1948 juntou-se ao Grupo Sezession, em Graz, Áustria, onde, em 1947, faz sua primeira individual (desenhos e xilogravuras). No ano seguinte migra para o Brasil. Em 1955 naturaliza-se brasileiro.

DINÁ LOPES COELHO, pastora fiel dos artistas do Brasil

Di Cavalcanti liga do Rio e quer saber detalhes sobre sua monumental exposição no MAM (Museu de Arte Moderna) em fins de setembro. Carlos Paes Vilaró está chegando do Uruguai, com problemas de hospedagem, entrevistas. Novo telefonema. É Paulo Mendes de Almeida, não quer atravessar a cidade às escuras. Da casa do presidente, querem saber se Joaquim Bento (Alves de Lima) já chegou. Arnaldo Pedroso d’Horta que está no barzinho, toma seu uísque à espera da reunião. Chega da “Cosme Velho”, apressado, com novas idéias, Arthur Octávio Camargo Pacheco. Diná Lopes Coelho atende a todos a tempo e hora.

– Aqui no Museu é sempre assim, e em casa também. Hoje posso dizer que vivo para a arte e os artistas. 

Uma verdade bem dita, ou bendita, como diria a McCann. Diná é a pastora fiel dos artistas do Brasil (Francisco Luís de Almeida Salles). Na sua antessala, no MAN, no Ibirapuera, bem grande, este slogan: 

O artista não é convidado porque é um dos donos desta casa. 

E ali estão afixados bilhetes, cartões, convites. José Antônio da Silva, primitivo preferido de Diná informa estar no Hotel Santa Terezinha, com suas telas prodigiosas. A Escolinha de Arte Pimpolho quer alunos. As galerias Ars Nobile e Rosa Filho anunciam exposições. Ely Bueno ensina a preços módicos gravura e desenho. Michel Veber, da Bahia, está em São Paulo e quer vender Raimundos, João Alves e Caribés – e de troco, ensinar ginástica chinesa (sic). Diná não pára. 

– Gosto de ajudar todos os artistas, sem distinções de cara, arte, filosofia, ideologia ou religião. Respeito a arte de cada um. Os artistas são seres privilegiados, criadores de beleza num mundo tão ruim e cruel, cheio de guerras e horrores. O artista enfeita, ilumina, anima a vida da gente, e, só por isso, ou melhor, por isso mesmo, os respeito, admiro e ajudo. 

– Quando começou o seu trabalho no MAN? 

– Eu fui secretária geral da 7ª e 8ª Bienais, sendo que esta, montada por mim, sem verbas, dizem ter sido a melhor até hoje... Há três anos vim para cá, quando o MAM recebeu esta sede do nosso inolvidável prefeito Faria Lima. 

Diná é morena, não esconde a graça portuguesa em seus traços. Viva, alegre, inteligente. É casada com o advogado e intelectual Luiz Lopes Coelho. Um grande praça, como ela o define, “bom, alegre, com muito calor humano, com a segurança e a tranquilidade dos homens que tem a consciência e a alma limpas”. 

Luiz Sacilotto, Diná e Flávio Shiró

ARTE BRASILEIRA 

O MAM expõe atualmente o Panorama da Arte Atual, uma noção do que se faz no Brasil nos campos do desenho e da gravura. A mostra tem figurativos, abstratos, arte ingênua – a excelente Eurydice está ali – como o notável Otávio Araújo – e arte cinética. A mostra faz sucesso enorme e Diná está contente. 

– Parece que o nosso Museu vai progredindo com a ajuda de bons amigos, como o pessoal do Conselho Estadual de Cultura, da Loteria Federal, o entusiasmo do presidente Joaquim Bento e dos diretores, dos artistas e dos críticos, do público enfim. Já temos um acervo considerado de bom nível – ainda vamos alcançar um dia o museu de Arte, formado por Assis Chateaubriand há muitos anos, em suas andanças internacionais e o Museu de Arte Contemporânea, que era nosso antigo acevo, doado por Francisco Matarazzo Sobrinho à Universidade de São Paulo. Por enquanto somos ainda um museu pobre, embora tão rico de amigos. 

IDEIAS E REALIZAÇÕES 

Esse “museu pobre” já realizou, nestes três anos, três monumentais exposições do panorama da arte atual brasileira. Mostras de grande porte, as obras de Sergio Milliet, Grassmann, Di Cavalcanti, Djanira, Tarsila, Flávio de Carvalho, Charles Delporte, Ítalo Cencini, Seep BArndereck, Bianchetti, Chang Dai Chien, Scliar e outros. Em todos os interregnos, entre uma e outra exposição, explica Paulo Mendes de Almeida, o Museu exibe os exemplares do seu acervo, entre os quais se encontra a “Coleção Tamagni”, importante repositório de obras de determinado período da pintura nacional.

 Diná pede licença. Vai à entrada do MAM, onde está a onça granítica de Brecheret e os “bambus coloridos” de Ione Saldanha. O numeroso o ruidoso grupo de jovens quer entrar, checar o panorama da arte atual brasileira. Diná não opõe objeção alguma: 

– A casa é de vocês. Aqui estão os melhores e mais conceituados gravadores e desenhistas do país. Somos um museu moderno, atual, de nível, aberto a todos, principalmente à juventude. 

São 10 da noite. Ela pega o carro e vai para casa, no centro da cidade. Sua empregada já anotou uma dezena de telefonemas, recados. Di continua aflito, no Rio. Mas ali está, feliz e alegre, Luiz Lopes Coelho. Ali estão pelas paredes, outros amigos, Pancetti e Silva, Grassman e Tarasin, Alice Brill, Marina Karam, Flávio de Carvalho, Saavedra e o parisiense Laval. São os amigos artistas que, agora, vão velar o sono da pastora.

SAMICO, DO HUMOR À XILOGRAVURA

 Artista excepcional de Pernambuco, Samico realizou xilogravuras notáveis, envolto pelo espírito da arte armorial e se enveredando pela beleza de signos de outros tempos criando uma obra meticulosa, levando até um ano para terminar uma gravura. Um esteta no senso mais puro. 

Antes do desenho na madeira realizava uma série de estudos até chegar à impressão definitiva. Realizou diversas exposições marcantes tanto entre nós como no exterior, sendo que a mais recente foi na Galeria Estação, em São Paulo, comandada por Vilma Eid. 

Ela é apaixonada pelo gane artista de Recife, que faleceu em 2013, e pela arte brasileira pura de origem. Daí as viagens que faz pelo Brasil, descobrindo e valorizando pintores e escultores ínsitos, folclóricos, de artes sensitivas e insólitas. 

Gilvan Samico pode ser enquadrado entre os mestres da gravura, do design, do humor, do desenho, do real e do imaginário, de nossos brasis

UM RELATO HISTÓRICO: OS 10 ANOS DO MIS

“O Museu da Imagem e do Som será, na próxima década, a mais importante instituição cultural viva de São Paulo e do país.” Quem diz isso é um dos idealizadores do MIS, Luiz Ernesto Kawall, que teve participação ativa e fundamental na concretização deste centro cultural que tem como meta preservar e registrar a imagem e o som do passado e do presente, como um museu vivo, utilizando os meios mais avançados da tecnologia contemporânea. O atual diretor Boris Kassoy se encontra em Colônia, na Alemanha, para a realização no MIS da mostra “História da Fotografia” com o patrocínio da Bayer. Em Washington, Kassoy entrará em contato com os responsáveis pela Coleção Oliveira Lima, visando outra mostra importante. 

O depoimento de personalidades marcantes na vida nacional, nos seus mais diversos setores, é uma função das mais importantes para a formação de preciosas fonte4s de pesquisas para os futuros historiadores como para os pesquisadores de um passado recente. Períodos conturbados, movimentos artísticos marcantes, posicionamentos políticos são temas que normalmente são inclusos nos rumos de um depoimento. 

A Carta de Princípios e Finalidades do Museu da Imagem e do Som do Estado de São Paulo (ver abaixo) especifica detalhadamente em 10 itens a estratégia cultural a ser seguida, as linhas gerais de um caminho difícil já percorrido pelo MIS, com muitas barreiras sendo transpostas em benefício da sociedade e da história brasileira. 

UM TESTEMUNHO 

Luis Ernesto Kawall, relata o seu envolvimento na concretização do MIS paulista desde os tempos em que freqüentava a Faculdade de Jornalismo Casper Líbero da PUC: “Em 1951 me formei em jornalismo na 1ª turma da Faculdade de Jornalismo, sendo paraninfo Carlos Lacerda, que já vinha se interessando pelo jornal “A Imprensa”, que era feito pelos estudantes, havendo muitos contatos nossos com o jornalista carioca. Convidado por Lacerda permaneci como redator-chefe da “Tribuna da Imprensa”até 1964.” 

“De 1960 a 1961, trabalhei com Lacerda, no Rio, 6 meses como assessor de comunicação de comitê de eleição de sua candidatura ao Governo do então Estado da Guanabara e 6 meses como diretor da Tribuna da Imprensa.” 

“Em 1961, Lacerda cogitou da concretização do Museu da Imagem e do Som – MIS. Levei a ele disco de Dalgas Frisch, estudioso dos cantos dos pássaros, e de Guilherme de Almeida, Hino do 4º Centenário de São Paulo e fotos antigas de São Paulo”. 

“No Palácio Guanabara realizou-se em 1962 a reunião, com vários interessados, inclusive eu – convidado – para a formação do MIS. Faltava o prédio, mas imediatamente Lacerda conseguiu um andar no Banerj, sendo decidido a compra de fotos antigas do fotógrafo Malta, do Rio antigo, como também a aquisição do arquivo de “Almirante”. Depois o MIS mudou-se para o Ministério da Agricultura. Lacerda dedicava maior entusiasmo ao MIS carioca. 

A FORMAÇÃO DO MIS 

“Em 1967, Roberto de Abreu Sodré, foi indicado em Convenção, governador do Estado de São Paulo e escolhido pelo presidente da República Castelo Branco. Convidado para ser assessor de Sodré, impus a mim mesmo duas condições: se eu fosse assessor, tentaria criar o MIS e, segundo, daria força para Ubatuba, como saneamento básico, escolas e turismo, contribuindo para a infra-estrutura dessa cidade que devoto até hoje. Posso dizer com orgulho e sem falsa humildade, ter conseguido as duas coisas.” 

“Entrei no Governo no dia 15 de janeiro, dia da posse do Governador. Sendo já meu feitio, fiz um bilhete para Sodré. “Governador, não acha que deveríamos criar o MIS paulista, à semelhança do MIS carioca, arquivo vivo do registro histórico dos fatos importantes de São Paulo?”Neste mesmo bilhete, Sodré respondeu: “Luiz Ernesto, de acordo. Pode providenciar a comissão organizadora e tocar o projeto”. 

“Formei a comissão organizadora com Paulo Emilio Salles Gomes, Almeida Salles, Rudá de Andrade, Maurício Loureiro Gama, o fotógrafo Avelino Ginjo, Ricardo Cravo Albin, que dirigia o MIS carioca e eu. Sodré se interessou pelo MIS. A posse foi na Rua do Ouvidor, na Secretaria do Governo, presidida pelo Secretário José Felício Castellano. Algumas reuniões foram realizadas no Palácio Bandeirantes e outras se deram em minha casa, passando, esta, a ser um local provisório para debate4s e providências.” 

 “As doações foram aparecendo, com gravações de Murilo Antunes Alves, fotos antigas, através de Avelino Ginjo. E Leônidas da Silva, o “Diamante Negro”, ofereceu o disco com seu célebre gol de bicicleta, no Pacaembu em 1942 contra o Palmeiras, narração de Geraldo José de Almeida. O diretor executivo do MIS carioca, Ricardo Cravo Albin doou um disco, “Vozes do Brasil”, com trechos de discursos de Getúlio Vargas, Oswaldo Aranha, Roquete Pinto, Marechal Rondon, entre outros. 

“Em 1968, diversos fatores contribuíram para dificultar o surgimento oficial do MIS, por ser um período difícil, com o ato institucional e movimentos e agitações nas ruas , etc., e uma série de problemas, até a falta de verbas estaduais.” 

ESTATUTOS 

“Os Estatutos do MIS foram aprovados em 1969, numa cerimônia no Palácio Bandeirantes, sendo que Arrobas Martins, com ação firme, muito contribuiu para incentivar a criação do MIS. Ficou constituído o 1º Conselho de Orientação, assim: Paulo Emílio Salles Gomes pela Cinemateca; Almeida Salles, Rudá de Andrade e eu pelo Gabinete do Governador, Avelino Ginjo pela Associação dos Repórteres Fotográficos, Sérgio Viotti pela TV 2 Cultura e Sergio Vasconcelos Correa pela Ordem dos Músicos. Oficialmente o MIS foi criado pelo decreto-lei n.º 247, de 29.5.1970.” “Como idealizador e principal coordenador do MIS, Arrobas Martins, Abreu Sodré e Orlando Zancaner, este secretário de Cultura, insistiram muito para que eu fosse o 1º Diretor Executivo do MIS, mas mesmo assim não aceitei, pois, achava que me faltaria qualidades de museólogo e, como jornalista, estava empenhado nas duras funções de assessor de imprensa do Governador. Indiquei , então, Rudá de Andrade, conhecido por todos, e muito interessado no MIS.” “Terminando o governo Sodré, aceitei o cargo de 1º Diretor Técnico do MIS, função que exerci dando ênfase às gravações dos depoimentos, convênio com a Cinemateca e compra do acervo de documentários de Primo Carbonari, que, infelizmente, não se efetivou. O governo lançou dois importantes decretos, em um cedia os Campos Elíseos para sede do MIS e, outro, obrigava que cada administração pública encaminhasse todas as fotografias e filmagens, cada ano, ao MIS.” “O MIS teve várias sedes, a primeira, na Rua Antonio de Godoy, 88, com duas salas, e seu depósito de material no Palácio Bandeirantes; em seguida, nos porões do Palácio dos Campos Elíseos, que se encontrava em reforma; depois, mudou-se para dois sobradinhos, praticamente em ruínas, na Alameda Nothman e, transferiu-se, em seguida para a antiga seda da Secretaria, na Avenida Paulista, 320, sendo que, nesse local, foi obrigado a deslocar-se de andar para andar. Depois o MIS conseguiu alugar uma casa na Rua Oscar Pereira da Silva, 114, no Itaim, onde permaneceu por quase dois anos. Finalmente passou para a sede definitiva, à Avenida Europa, 158.” 

GRAVAÇÕES 

“Na minha gestão como diretor técnico incentivei as gravações de personalidades importantes como Arrelia, Piolim (no vagão do circo, onde morava), Volpi (em minha casa), Antonio Ermírio de Moraes (nas Indústrias Votorantin), Warchavck (1ª gravação feita, em 1971) e outras.” 

“Estudamos também um convênio com a Cinemateca para salvar seu acervo, o maior da América Latina. No 2º semestre de 71 fui notificado pelo diretor do DACH, Paulo Bonfim, que, como ocupava cargo de confiança, tinha que devolvê-lo. Terminei, assim, sendo afastado do cargo de Diretor Técnico, deixando expresso durante o exercício desta função o meu grande interesse pelas gravações dos depoimentos.” 

“A primeira gravação foi de Warchavch, de improviso, em sua casa na Avenida Europa. O famoso arquiteto cedeu livros e fotos, contou pormenores de sua vida, da “Casa Modernista” e do seu encontro com Le Corbusier. Silvia Baiense, com seu gravador portátil registrou a entrevista de 80 minutos.” 

O depoimento de Antonio Ermírio de Moraes foi na sede das Indústrias Votorantim. O depoimento foi coordenado pelo jornalista João de Scatimburgo e contou com a participação de diversos jornalistas da área econômica. As perguntas, enviadas antecipadamente, foram formulados pelo conselho do MIS. 

“O depoimento de Piolim foi coletada diretamente num vagão de circo na Casa Verde, no fundo de um quintal, na Casa Verde onde morava. Piolim se vestiu a caráter e falou sobre sua vida e a ligação que teve com os modernistas, oferecendo a bengala, as vestes, o colarinho e o chapéu para o Museu. A doação não foi aceita pelo Conselho, pois o MIS fundamentalmente visam o registro da imagem e do som. Parece que o MASP ficou com os objetos de Piolim. Paulo Em,ílio Salles Gomes coordenou esta gravação, na qual depuseram também Arrelia e Chincharrão.” 

“Na minha casa Volpi fez seu depoimento, dialogando com Mario Zanini, Rebolo, Spanudis, Aracy Amaral, Rudá de Andrade, Fiaminghi, Mario Schemberg, Almeida Salles, Clovis Graciano, Maria Eugenia Franco e Décio Pignatari. Do meio dia às 5, começando com um almoço, gnocchi à bolonhesa, bragiola e vinho Chianti, seguiu-se amplo debate sobre a obra volpiana com acirradas polêmicas e intervenções de Volpi, do maior interesse. A certa altura conseguimos esconder um microfone debaixo da mesa e confissões intimas surgiram.” 

ENTIDADE VIVA “Com o decorrer do tempo, o MIS se tornou um entidade viva com reuniões semanais do Conselho de Orientação, que sofreu modificações com a entrada de Walter George Durst, Maria Rita Galvão e Boris Kossoy em lugar de Sérgio Viotti, Paulo Emilio Salles Gomes e de Avelino Ginjo, respectivamente, estes dois últimos falecidos prematuramente, e que tanto deram ao MIS.” 

“O MIS, sob a direção de Rudá de Andrade, conseguiu firmar-se, com sede própria na Avenida Europa, construída pelo mesmo secretário Pedro Magalhães Padilha, que havia retirado a instituição dos Campos Elíseos. Tem atuação meio universitária, na difusão da fotografia, nos convênios firmados, no cinema e em diversas exposições. Infelizmente, em alguns setores, não atingiu o pretendido. Deve-se citar a atuação do secretário Max Feffer, que deu bom impulso ao MIS.” 

“Espero que, com Boris Kossoy, elemento de alto nível, outros objetivos sejam alcançados. O MIS foi formado para ser um museu vivo da cidade de São Paulo, uma importante instituição cultural, capaz de registrar a memória paulistana e isto será alcançado nos próximos anos.”

Entrevista à FOLHA DE SÃO PAULO

em 8/1/1981.

CAMPELLO: ARTE MÁGICA E FEÉRICA

– A pintura não é para ser entendida, não importando a escola, o estilo, a tendência, o nome ou a idade do artista – alto, loiro, bonito. Vestindo a última moda masculina – “blaser” inglês listrado, gravata borboleta, cabelo grande basto, quase pelos ombros, Mário Campello domina amplamente sua “vernissage” na Cosme Velho, cercado de críticos, “marchands”, artistas e mil fãs. Campello não quer que se pergunte – mas todos perguntam – sobre se sua pintura é “naif” ou ingênua, se ela tem parentesco com o surrealismo onírico. Ele não aceita rótulos para sua pintura, ou mesmo para qualquer outra expressão artística. As 26 telas de Campello estão ali nas paredes galeria, seus parques feéricos. Duma luminosidade mágica, quase transcendente, tudo minuciosamente elaborado, coma composição perfeita e técnica apurada, muito próprias do artista baiano. 

– Não sou “naif”, insisto e amanhã, inclusive, posso mudar meu estilo de pintura e não ser acompanhado por esse rótulo... Meu trabalho no momento pode ser visto mais como um realismo fantástico... Já fui figurativo, no início da minha carreira, e quanto às fases de um artista, acho que não se deve forçar mudança alguma, mas, sim, sua vinda ocasional, pelo trabalho constante e pelos mais diversos fatores, criados pelo meio ambiente... Penso que estou atualmente numa fase de depuração, os elementos que uso na composição de um quadro já foram por mim utilizados anteriormente e maneira isolada. 

Mário Campello não dá para a encomenda dos abraços e das felicitações. É a estrela da noite, todos os quadros estão vendidos, mesmo antes do vernissage. Tica Rivetti o cumprimenta afetuosamente, Regina Magalhães chegou com “A” a “Z” da sociedade. De Salvador veio a dondoca Lícia Reis, uma das 10 mais da Bahia. A vistosa manequim Rosely posa espalhafatosamente ao lado do artista. Maria Cecília Pereira do Lago faz sucesso com seu vestido paetizado que brilha no lusco-fusco da Cosme Velho. Até um velho amigo de Nova Iorque, Danilo Ramires, veio dos Estados Unidos para abraçar Campello. Campello sorri e conversa. Educado, duma finura de berço, afinal, seus pais são também quatrocentões da Boa Terra. À sua volta estão agora muitos artistas, Paulo Wladimir, Moraes, Roni Brandão, Ivonaldo, Charroux, este achando que Campello tem boa, muito boa técnica, o colorido dom esse dégradée, uma beleza.

Campello explica que na sua pintura atual, foi eliminando elementos, desde a figura humana até outros e outros. Não sabe, mas admite que um dia caia no abstrato total. 

– A figura humana, por exemplo, deixou de existir, porque a natureza exuberante em cores e formas, eliminou-a, mas a sua presença muitas vezes não está totalmente abolida, mas pressentida... 

– Muita gente classifica sua pintura de decorativa... 

– Isso não me atinge porque se uma pessoa compra um quadro meu para decorar uma parede, isto é com, ela, não é comigo. Minha pintura reflete, apenas, minha vida interior... Ou que eu expresso através de minha arte é apenas isso. 

– Segue ou seguiu alguma escola? 

 – Iniciei-me, como todos sabem, com Carlos Bastos... De uns anos para cá a maior e melhor escola de pintura é o trabalho... Na minha arte, 80% é transpiração, 20 % é inspiração... Sabe que o ritmo de pintar, para mim, é muito importante, só pinto sentado e de pernas cruzadas, ouvindo rádio, quando até a respiração ritmada é importante... E assim lá vão 16 horas por dia, uma loucura. 

– Afirma-se que sua arte é irreal... 

– Exato... Gosto de ouvir Mozart e Vivaldi o dia inteiro, às vezes Morgana King, que é mais popular... As leituras são as de ficção ou do gênero espiritualista, estórias da Índia, dos iogues... Sempre me interesso por tudo que é irreal... Não gosto muito da matéria... Tenho medo de gente reunida, apartamento, povo, multidão... Minha pintura, assim, é mais irreal do que real, e pode até ser espiritual – essas bolas que faço em cada quadro não sei se são sol, lua, ou pode ser a Terra, vista de outros mundos? 

– O quadro da arte brasileira está meio tumultuário atualmente... Não aceito modismos, nem arte com tendência comercial... A arte conceitual, os múltiplos, onde se pretende chegar?...Tudo me diz alguma coisa e ao mesmo tempo não me diz nada... Às Bienais não concorro, nunca mandei quadro para bienais ou salões, nem mandarei, detesto premiações e badalações... Mas tem gente boa, por exemplo, Mário Gruber, sem favor, é o maior pintor brasileiro... Reinaldo Fonseca, pernambucano que mora no Rio... Humberto Espíndola, o da bovinocultura crítica... Guilherme Faria, o desenhista... Juarez Magno, tantos outros... Acho importante que se difunda arte, a nossa pintura, como agora está fazendo a Editora Vecchi, fotografando quadros e pintores para sua nova revista... A pintura tem de ter ritmo, tem de ter harmonia. Estudei música durante 15 anos. A música permite devaneios e criação solta... É claro que tudo também vai da sensibilidade, da observação, da técnica de cada artista... Eu gosto de pintar na solidão, e sozinho, às vezes levo 20 dias fazendo um quadro... Mas a arte brasileira vai progredindo, sim. 

Campello fala de São Paulo, acidade é muito cinza, daí, talvez, ao vir para cá mudou sua pintura para um colorido intenso, que recordava a Bahia. Não quer comentar sobre os primitivos. Afirma que o Brasil tem bons primitivos, mas alguém já viu os tchecos e iugoslavos? E fala agora da escolha de revista alemã “Stern”, que o colocou entre os 10 maiores primitivos (embora não se julgue tal) do mundo e que comentou seu contrato com a organização norte-americana “Findly”, por 4 anos. Ela paga por mês religiosamente e promoverá 4 exposições suas, proximamente, nos Estados Unidos e na Europa. Campello conta também das inúmeras encomendas que já tem aqui, não sabe nem se vai dar tempo para passar os Finados em Ubatuba, tomar sol, tostar um pouco na praia espetacular do Tenório, ou das Toninhas. Nesses tempos de uma folguinha, Campello tem, entre outras habilidades, a de cozinhar, faz uma misturança de verduras e carnes, um laboratório revolto de pesquisas gastronômicas...

Falta pouco para a meia-noite, o luzido Sérgio engalanado hoje, de uniforme bordô, já se prepara para fechar o portão colonial da Cosme Velho. O sobradinho amarelo da Alameda Lorena viveu mais uma noite concorrida de arte.

– A mocidade de hoje é sensacional e inclusive tem mais oportunidade na arte, mais facilidades, que eu, por exemplo, não tive... As crianças dos colégios me fazem perguntas ótimas, têm um interesse incomum, uma agudeza inteligente e prática... Recebo cartas, telefonemas, acho que quem tem imaginação criadora e muito talento hoje em dia não somos nós, artistas, mas a nossa juventude sensacional.

PRIMITIVOS OCUPAM O MUSEU DO SOL E A EUROPA

– Os pintores “naifs” não abrem nem encerram um ciclo novo, são a própria permanência do homem diante do seu mundo e da natureza, na recordação do Éden transposta para a cor e a forma;;; Os nossos primitivos verdadeiros, quer se perceba ou não, são personalidades sensitivas excepcionais, que expressam nas telas seu mundo interior não poluído, ferido, onírico, alucinante, suas recordações da infância, povoadas de magias poéticas e de purezas inocentes... Falo, claro, dos ingênuos autênticos, com sua vocação natural pura, que fazem essa arte maravilhosa que inauguramos no Museu do Sol, chia de luz, calor, cores e, acima de tudo, de amor. 

Iracema Arditi esta realizando seu antigo sonho. Reuniu mais de 100 telas de primitivos e ingênuos de sua coleção particular, no Museu do Sol, alugado para tal, e reformando, uma velha fábrica de bonecas junto à sua casa, na Vila Clementino. A coleção, inclusive as telas de primitivos estrangeiros, não tem preço. As obras furam custeadas pela arte da própria Iracema, “naif” brasileira com alta cotação na Europa, principalmente na França. Ela esta agradecendo a ajuda que teve, destacando – como colocou no catálogo colorido – os nomes de Michel Weber, Pedro Luiz Toledo Piza, Centro de Artes Novo Mundo e Zilda Vergueiro Empreiteira de Obras.

obra de Iracema Arditi

– O nome Museu do Sol já diz tudo – sol, terra, luz, calor, primavera, cor, mas tem também um sentido simbólico: o de tirar os artistas primitivos da penumbra em que se encontram, quase desconhecidos do grande público... A arte primitiva é pouco conhecida e divulgada na Brasil, são raras as galerias que fazem exposições desses artistas populares... A própria Bienal cancelou há algum tempo a sala dos primitivos, enquanto os salões oficiais poucas vezes convidam os primitivos para mostrar suas obras... Aqui os primitivos que não fazem arte “decoração”, os que não imitam, os que não são meros borradores de tintas, terão a sua vez, sempre... E os novos também, vamos abrir uma Sala das Descobertas, para incentivar e ajudar os novos valores. 

Vai informando que em maio o Museu do Sol apresentará sua primeira exposição individual, do artista pernambucano radicado em São Paulo, Ivonaldo. O museu pode-se transformar em instituto oficial se o governo estadual decidir encampá-lo. Iracema acha mesmo que o acervo ali colocado, o segundo do mundo, o primeiro da América Latina, pertence à arte e à cultura brasileira.

 “Nosso Museu do Sol só perde em número de obras, para o Museu de Laval, na França, terra de Henri Rousseau, criador e mestre da arte primitivista”. Nesse Museu estão cerca de 30 telas de primitivos brasileiros, doadas por ela, numa “sala especial que se equipara à dos próprios primitivos franceses e europeus”. 

 – A idéia do museu não é nova. Surgiu quando vi que não podia pintar mais, tantas pessoas me procuravam em casa, para ver a coleção de primitivos, iniciada há16 anos... Senti também que deveria reunir os bons primitivos, para evitar sua migração para o exterior... O gênero primitivo, repito, vem sendo pouco compreendido em nosso país, até campanhas contrárias aparecem, de pessoas que dizem que o primitivo é um exótico, um marginal, um louco... A vida particular doa artista, pouco importa, o que vale é o seu trabalho... Igualmente a sua condição financeira, o seu “status” cultural, a sua posição na sociedade... A arte primitiva, quando boa, séria, autêntica, bem executada, é reconhecida em todo o mundo... Por que não haveria ela de ser também apreciada no Brasil, terra tão rica de bons valores primitivos?

 Ela está ao lado do representante do governador Natel, autoridades e artistas, críticos, jornalistas, seu marido Gui Arditi, diretor da “France Press” e da filha Marina, de 13 anos. Chega Jean Pierre Bouvet, conservador do Museu de Arte Primitiva de Laval, é o convidado da noite, para ele se voltam as atenções. O jovem crítico está há alguns dias em São Paulo, esteve no Embu (não gostou) e na Praça da República (viu bons primitivos, mas o comércio alucinado está prejudicando o movimento dos pintores). Gosta dos primitivos brasileiros e acha que o Brasil tem todas as condições – terra tropical, diversidades regionais, características típicas, folclore, etc., para abrigar uma leva maior de grandes primitivos. Elogia Iracema Arditi por criar o Museu do Sol e destaca a alta qualidade de alguns pintores expostos.

– A arte ingênua (“naif”) encontra agora o seu lugar entre as várias tendências reconhecidas, mas isso não é o mais importante; o que conta é o seu reconhecimento e as possibilidades que lhe estão sendo oferecidas nos últimos tempos de se expressar plenamente, isto é, viver. Deve-se felicitar e agradecer a Iracema pela sua dedicação a essa causa e a uma arte que ela conhece tão bem. Nesse Museu do Sol, os pintores e os criadores descobrirão a riqueza do encontroe a expressão do que procuram ou oferecem de mais verdadeiro... “Pintura naive, pintura popular”, a arte naive não é a arte popular; suas motivações e sua função são bem diversas e outra a utilização. Mas é gerada v desse tronco, utiliza frequentemente suas técnicas, seus temas e às vezes explora inconscientemente as suas nostalgias. É assim especialmente interessante que a arte popular esteja representada neste Museu, tanto no seu passado próximo ou remoto como nas suas manifestações presentes. Ela é o suporte humano da arte naive; sua ruptura, até é um exemplo dos contatos entre as civilizações e dos atritos entre os mundos históricos.

Bouvet está cercado de primitivos por todos os lados. Isabel de Jesus, mineira, trabalhou na casa de Iracema, agora é enfermeira prática, acaba de chegar de Paris, onde expôs, com total sucesso, na Galerie Séraphine. Waldomiro de Deus, baiano de barbicha e chistoso, regressou da França, Itália e Israel, onde expôs em Tel-Aviv e Jerusalém. Seu sucesso foi tão notável que Moshe Dayan pediu-lhe um retrato, eu Waldomiro fez – e faturou bem. Ivonaldo, de longa barba, está aprendendo inglês, vai expor nos Estados Unidos e Europa. Crisaldo Moraes, também pernambucano, nora em São Paulo, trabalha na VARIG, parte hoje para a Alemanha, Itália e França, expondo em vários lugares seus anjos esvoaçantes. E Paulo Wladimir, potiguar, também formando entre nossos melhores primitivos, também se prepara para o roteiro europeu. Iracema e Bouvet estimulam a todos. Alguém fala que Waltraud já está na Europa, com mostras bem sucedidas e a Profª. Sofia Tassinari, da Azulão, também levou primitivos ao exterior, tudo foi bem, diz. Carlos von Schimdt fala do sucesso que alcançou sua galeria, “A primitiva”, quando exportou pioneiramente primitivos para a Salford University, da Inglaterra, e a New York University, dos Estados Unidos. Chega-se à roda Henrique Araújo, da Câmara Americana de Comércio, enfatizando a boa acolhida da coleção de primitivos brasileiros (29 ao todo, com Newton de Andrade á frente) que a Pocket Gallery, da Câmara, enviou Universidade da Flórida e Califórnia.E Tito Silveira, jornalista e empresário, tocando agora a Galeria da KLM, está eufórico com a mostra que promove das telas alucinantes e fantásticas do índio acreano-cearense Chico da Silva. Elas alcançam nos Estados Unidos a Europa, diz, um bom preço. Bouvet volta a falar:

– No Brasil, como, aliás, em outros países, a arte naive é bem menos cotada do que na França, por exemplo. Nisso reside a sua riqueza e o interesse de uma concentração dessa espécie: as várias a possibilidades de que ela oferece à pesquisa do homem e ao sonho da vida. O pintor é mais propenso do que qualquer um a entender a necessidade de um tal encontro e de intenções e formas e mesmo a provoca-la. Ele vive esses problemas de um outro modo do que com palavras. O trabalho pictórico de Iracema, como também seu sentido de amizade, só podia encaminhá-la a abrir as portas desta casa aos pintores... O Museu do Sol não é apenas a casa dos pintores. Ele é também o museu de todos aqueles que sonham e entalham a madeira com um canivete ou tecem e fazem do objeto um suporte de beleza a serviço da vida... Por vários aspectos a nossa época parece sombria, a arte lhe traz por demais vezes a evidência de fracassos, pesquisa desesperada, ícones de derrotas. Precisa-se mais do que nunca de um Museu do Sol e sua criação evoca um gesto de fraternidade que o seu irmão primogênito, o Museu Henri Rousseau, de Laval, saúda com alegria.

O Museu do Sol está feericamente iluminado, suas salas, a brasileira e a estrangeira, apinhadas de gente. O calor é grande – o Museu do Sol ocupado, Europa ganha – os primitivos tomam uísque, o blábláblá prossegue madrugada adentro. Iracema está também feérica, alucinada, feliz. O Museu do Sol está, afinal, inaugurado, com suas telas de primitivos daqui e de fora, esculturas populares, tapeçarias, as portas entalhadas de Juçara, telhas de madeira e peças de cerâmica. Abre ao público todos os dias, das 15 às 19 horas, menos às segundas. Como todo bom museu que se preze e louve.

WLADIMIR e MOURA, a pintura ingênua e primitiva do Nordeste

Paulo Wladimir, rio-grandense do norte de Currais Novos, da região de Seridó, radicado desde 1968 em S. Paulo, e Bal Moura, baiano de Feira de Santana, que vive na Capital há um ano, são os artistas nordestinos que expõe com sucesso nas galerias “Astréia’ e “Encontro”, nestes dias em que o centro artístico paulista está agitado, com duas mostras de grande porte, o Panorama da Arte Brasileira, e a XII Bienal, promovida pela Fundação Bienal, sob o comando, sempre, de Francisco Matarazzo Sobrinho. Paulo Wladimir, realista-mágico e ingênuo, já expôs em inúmeras individuais e coletivas, aqui e no exterior, onde goza de grande conceito da crítica especializada e colecionadores. Bal Moura, mais novo, firma-se agora, após andanças por Paraty, Florianópolis e Belo Horizonte. Wladimir vai logo respondendo sobre a faixa de pintura em que se situa. 

Adão e Eva - Paulo Wladimir

- Pinto sem me preocupar em me defender ou me situar em gênero algum, embora muito me comunique e tenha ligações com a escola ingênua. Alguns críticos e colecionadores já situaram meu trabalho dentro de um realismo mágico. O melhor é impor o trabalho por si, sem comprometê-lo com rótulos, pois, se depois sentir uma necessidade de guinada, pode-se ir ou voltar sem maiores explicações. 

- Julga-se um pintor de inspiração popular? E a antiga fase primitiva? 

- Na verdade, meu trabalho tem fundamento maior dentro da cultura popular, porém, também provém de outras fontes de inspiração. E a antiga fase dita primitiva, a própria pergunta já responde. Por enquanto, trata-se de uma antiga fase, apenas. 

- Como vê a arte brasileira atual? 

- Atualmente, a arte brasileira se encontra num momento muito agradável, tanto para o artista quanto para o consumidor. Trata-se do momento de auto-afirmação. É agradável para o artista porque está agora se tornando mais adulto. Desligando-se de uma influência direta vinda do exterior e descobrindo valores nossos, fazendo um outro tipo de ligação entre as duas correntes (a influência de fora com a elevação maior de elementos da nossa cultura), dando maior personalidade à apresentação e criando um trabalho mais brasileiro. E é agradável para o consumidor, porque ainda é tempo de acompanhar o surgimento de um novo mercado, com chance de descobrir valores novos empenhados em um sério trabalho. 

- Projetos atuais e futuros? 

- Projetos existem muitos. A realização mais próxima e importante é a participação na mostra em Bruxelas: Brasil Expo’73, onde fui incluído ao lado de grandes nomes da arte brasileira, que estarão representando nossos valores naquele evento. Imagens do Brasil que será a parte ligada à arte nesta grande feira, está sendo organizada brilhantemente pelo professor Pietro Maria Bardi, diretor do Museu Assis Chateaubriant, de São Paulo (MASP). Nesta mostra estará, também, parte da coleção particular minha e do pintor Crisaldo Morais, que foi solicitada pelo prof. Bardi. 

- Tem viajado ao Norte, pesquisou? 

- Antes desta minha exposição viajei durante 60 dias, de São Paulo até São Luiz do Maranhão, vendo e revendo elementos da cultura geral, o que em seguida desenvolvi para a mostra atual. O vernissage desta exposição foi para mim até surpreendente. Contei com a visita de inúmeras pessoas e uma venda de 60% da exposição naquela noite. 

- São Paulo comportaria um museu, ou centro de arte ingênua, ou popular, ou primitiva? Em que termos? 

- São Paulo comportaria, sem dúvida. Precisaria, porém, um trabalho muito sério, muito bem estruturado, sem sombra de improvisação, para que as pessoas levassem também a sério. Principalmente tendo o nome de museu. Teria também que ser um museu vivo, com elementos capazes de informar e provocar interesse, principalmente nas pessoas de sensibilidade e menos familiarizadas com a arte. Teria que ser um museu sem critério de seriedade, sem exagerar em preconceitos infundados. Palestras, filmes, exposições, intercâmbios, enfim uma abertura correspondente às expectativas do século XX. O ideal seria um museu sem conotações de moderno, folclórico, antigo, contemporâneo, primitivo, etc., e sem medo de concorrências na área. 

- Como se sente após tantos anos de luta, ao ver-se bem sucedido, com uma posição já firmada? Conselhos aos que se iniciam? 

Sinto-me cada vez mais empenhado num trabalho sério, correspondendo às expectativa daqueles que já confiaram em mim e principalmente naqueles que ainda não confiaram. Não teria conselho para ninguém, pois provavelmente minhas experiências de vida não funcionariam em outros indivíduos, pois cada pessoa é um mundo diferente e é nessa diferença que se pode criar um trabalho com personalidade própria, já que os elementos estão igualmente no ar. Nossa percepção e sensibilidade é que podem dar uma propriedade diferente. 

Bal Moura é também autodidata, conheceu Raimundo de Oliveira, seu conterrâneo, com a pintura do qual, a sua tem certa parecença. Fala duma enfiada só. 

- O meu trabalho é bastante minucioso e elaborado. Desde que comecei a pintar, há oito anos, sempre usei como tema a Bíblia e suas histórias fantásticas, transportando tudo isso para uma paisagem e clima bem brasileiro, tropical, usando elementos típicos do Nordeste como frutas, gentes, situações, etc. Morei em vários lugares - como Paraty, Florianópolis, Belo Horizonte, mas resolvi fixar-me agora em S. Paulo e estou aqui desde janeiro. Esta parada foi obrigatória por causa do nascimento de minha filhinha. Estou muito incentivado entre os paulistas e por colegas de primeira linha como Paulo Wladimir, por exemplo. 

 TRIBUNA DE SANTOS 7 de outubro de 1973.

José Antonio da Silva

Maior gênio de nossa arte

José Antonio da Silva

Fez bem a Prefeitura Municipal e a Câmara de Vereadores de São José do Rio Preto, em homenagear o artista José Antonio da Silva, agora completando 43 anos de arte, toda ela dedicada superiormente às belezas e aos cantares de nossa terra e da nossa gente. A prefeitura, editando detalhado folheto biográfico do mestre primitivista, e a digna edilidade conferindo-lhe título honorífico, que iguala Jose Antonio da Silva aos maiores rio-pretenses de todos os tempos. 

Circo cacareco - óleo sobre tela

Não canso de repetir, bem antes do prof. P. M. Bardi, que o Silva é glória nacional e tudo que se fizer em sua homenagem agora, repercutirá na posteridade e na memória artística deste País, com a espontaneidade dos atos dignos. Nada há a temer, pois José Antonio da Silva é hoje reconhecidamente um dos grandes artistas do Brasil neste século. 

Se não, vejamos. Silva começou há 4 décadas, descoberto por João da Cruz Costa, Paulo Mendes de Almeida e Lourival Gomes Machado. Logo se impôs, com sua arte ingênua, roceira e pura. Incentivado por “Ciccillo” Matarazzo, Teon Spanudis e Carlos Pinto Alves, ganhou hora e vez em S. Paulo, destacando-se em Bienais e individuais de grande porte. Foi quando o conheci, por volta de 1951, e nunca mais o deixei de vista, seja como crítico e reportes de Artes, seja como amigo sincero e desinteressado. Ele muito lutou, brava e corajosamente, até ganhar lugar certo na constelação maior da arte verde-amarela. 

Paisagem rural

Cresceu autodidatamente, sozinho, auxiliado unicamente pelo seu talento incomum e sua genialidade. Não foi bafejado pela crítica ou pelas rodinhas, governos de quaisquer espécies e/ou instituições culturais. E seu nome ganhou respeito e as manchetes, face à sua vida atribulada, de absoluta autenticidade, fato que o torna ainda mais admirado pelos seus conterrâneos. Silva é um caso único em nossa arte, e sua própria vida é uma estória fascinante,a merecer estudo de um analista maior, como um Nivaldo Carrazoni, ou de um cineasta, da marca de uma Ruy Guerra ou um Hector Babenco. 

Casa no campo

Vejam, todos, bem. Da semana de 1922, marco da arte moderna no Brasil, qual o artista que tem maior volume de obra nos vários campos que se divide a inteligência humana? Tarsila ficou na pintura e no desenho ingênuos, em que foi artista de primeira plana. Volpi chegou às maiores altitudes, com uma arte cerebral, de maravilhosa intuição e inspiração popular. Di Cavalcanti retratou o carnaval, as mulatas e o cotidiano do rio de Janeiro. E Portinari, talvez considerado o mais famoso de todos, pintou o drama social do nordestino e as cenas interioranas de que foi um mestre. 

Nosso Silva, nesses 40 anos incansáveis, não fez só pintura – onde, na cena/visão rural, não tem paralelo com nenhum outro artista contemporâneo. Fez, além da pintura, Literatura (5 livros), Cinema (1 filme), Música (2 discos), Folclore e Teatro (1 peça). Em conjunto de obra, marcadame