FLÁVIO DE CARVALHO

Flávio de Carvalho (1899-1973)

O GENIAL FLÁVIO DE CARVALHO 

– Estou trocando o gado holandês de minha fazenda em Valinhos pelo gado gír. Este é gado de corte e tem a vantagem de dar leite. A plantação de eucalipto vai bem, as de milho, arroz e feijão dão para o gasto meu e dos colonos. A fazenda tem 100 alqueires. Quero lotear uns 40, nas o Governo não aprova. O “módulo” da região de Campinas não me serve, é feito por computadores... máquinas imbecis. Está tudo errado. Resultado: a fazenda é deficitária. Sustento-a com a minha pintura e o meu desenho. 

Poltrona Flávio de Carvalho

Flávio de Rezende Carvalho, 71 anos, alto e forte, corado de sol, “gentleman” e caipirão, estaciona sua camionete DKW à frente do prédio nº 168 ad Av. Ipiranga, junto ao Hilton Hotel e Teatro de Arena. Ali, no 16º andar, num amplo apartamento – lambri pelas paredes, teto rugoso bem vermelho, móveis funcionais, mesa laboriosamente arredondada – Flávio mora quando vem à Capital, de terças às quintas-feiras. Os outros dias da semana fica na Fazenda Capuava. Vive solitariamente, faz comprar, prepara suas refeições, providencia em dia, absolutamente em dia, “esses malditos pagamentos, tantos impostos e taxas, essas coisas tolas, sabe como é”. 

Mulher Sentada

– A fazenda que recebi de herança tinha 25 alqueires. Aumentei-os para mais de 100. Controlo também minha indústria de materiais de construção. Fabrico tijolos de 6 e 8 furos, lajes para forro, ladrilhos, vigas-elementos, perfis e brisoleils. Tudo trabalho de uns 20 operários, cuja folha de pagamento chega a uns 6 mil cruzeiros por mês. Mas a indústria não vai mal. O “nissei” José Mori administra bem, mas os gastos sempre suplantam a receita, se a coisa não endireitar fecho essa porcaria, vou cuidar mesmo de coisas mais interessantes, meus estudos e pesquisas de caráter social e antropológico – diz Flávio, a esta altura já dentro de um vistoso robe-de chambre vermelho axadrezado. 

É uma terça-feira. Ele acordou cedo, às 6 horas. Deita-se todos os dias exatamente à meia-noite. Esperou o toque da igreja da Consolação, às 9 horas. Desceu para a rua, iniciou então um “trottoir” bancário, por repartições, as lojas, pagamentos e comprar, entrega de projetos e recebimentos. Às 11 horas está de volta, jovial, pinta ou desenha. Vera, sua modelo atual, não veio hoje, nem é dia de Doralice, a empregada que, uma vez por semana, faz toda a limpeza das salas e de seus pertences. 

Desenho à nanquim

– Tenho material de pintura e desenho também em Valinhos, mas só trabalho aqui – e Flávio pega o pincel, joga a tinta em traços seguros e conscientes sobre a tela. Está surgindo o retrato a óleo do inglês Philips. Ele é psicanalista. De passagem por São Paulo, fez a encomenda e já posou uma vez. 

– É bom porque ele paga em dólares, mas francamente, hoje, do jeito que vão as coisas, prefiro o nosso cruzeiro valorizado mesmo. 

Flávio ri, e sua voz é cavernosa, os cabelos não são muitos e já é bastante grisalho. Há dias ele terminou o retrato de uma amiga, Maria Lúcia Medeiros e suas duas filhas, cobrando Cr$ 5 mil. É considerado um dos maiores desenhistas do país, vencedor de prêmios nacionais e internacionais e grande porte. 

– Pode escrever, tenho sido sistematicamente recusado em concursos de arquitetura e outros, oficiais. Essa gente que julga concorrências não gosta de mim, muitas vezes nem devolve meus projetos. 

O almoço, também, ele mesmo preparou – juntou batatas, cebola, cenoura, couve-flor, nabo e beterraba, cozinhou tudo durante 40 minutos na panela de pressão. A massa vai toda para o liquidificador. Flávio faz a comida em dose dupla, guarda a sobra na geladeira e amanhã come o mesmo prato. A não ser que venha a Vera – então o almoço é melhor. Deixou de vez o álcool. Às vezes toma um vinho branco ou uma cervejinha. “Nas festas ou coquetéis, só finjo que bebo”, e Flávio dá uma risada marota. 

New Look de Verão ( 1956)

A um canto do apartamento, o piano preto de cauda, francês, para os amigos toarem quando recepciona, mas não se lembra da última vez que isso aconteceu. À tarde, volta a trabalhar, com luz natural, filtrada através de persianas. Tem pintado a óleo, guache, aquarela ou uma tinta deluz preta, americana, presente do Cônsul Alan Fischer. Lá para as 5 horas novamente o rumo da cidade “ver os negócios, procurar os terrenos que comprei e não sei onde estão, nessa correria incrível para todo o lado, ganhando daqui, perdendo dali, virando detetive”, faz a blague, e já atende a uma jovem ao telefone. Sim, gosta de incentivar os jovens valores, não quer destacar nomes. 

– Quais os seus projetos atuais? 

Flávio de Carvalho desfilando por São Paulo com o New Look

– Editar dois livros, já encomendados. Um será pela Martins, trata-se da Dialética da Moda e suas mutações através da História e outro, versará sobre a origem animal de Deus, com suas três partes: a fome, o medo, o sexo, molas propulsoras da humanidade. 

Flávio conta que no preparo dos dois ensaios lê e estuda, nas horas vagas, em São Paulo e na fazenda. Atualmente, consulta, anota e pesquisa obras com “Psicologia Médica”, do alemão Kerchmer; “O Ramo de Ouro”, do etnógrafo britânico sir James Fazer e “A Descendência do Homem”, de Darwin – sujeito formidável, tão citado e pouco lido; uma obra do polonês Malinowski, e ainda, e sempre, Freud. Não escuta rádio, vê os noticiosos de televisão, à noite, interessando-se pelas informações nacionais e de todo o mundo. Não tem nenhum interesse em ler jornais. 

– Que acha da arte brasileira atual? 

– A pintura, o desenho, a gravura e a nossa arquitetura passa por destacado estágio. Estão num alto nível. 

Três Mulheres

 – A que atribui essa ascensão? 

 – Aos movimentos de arte, Bienal, ao interesse da juventude por tudo que represente cultura e arte. Há 20, 30 anos atrás nada disso existia. 

– E a arte cibernética, a arte cinética? 

– Estão muito no começo ainda, essas artes programadas e manipuladas por máquinas. Mas, de um modo geral, o caminho da arte do futuro é esse, como do urbanismo, da vida das grandes cidades, tudo enfim. 

Flávio diz que as cidades sofrerão mudanças radicais, onde os indivíduos serão especializados e um homem humanista “um objeto raro”; os especialistas, sem visão de conjunto, e com “deplorável formação cultural”, tudo um caos, um horror. No futuro do Brasil, como nação, ele acredita, o Governo vai firme. Saneou o mercado financeiro. A cidade de São Paulo, “muralha de alvenaria, fria, concreta, poluída e desumana”, pode melhorar, face às grandes medidas planejadas e anunciadas pelo atual prefeito. “Mas para deixar de ser moribunda, precisa respirar, precisa de áreas verdes, precisa de urbanismo livre, de arquitetura consciente”, diz. 

Flávio fala com desenvoltura, sua cultura é ampla e universal. Uma vez o chamaram de louco – e ele contesta. – Nunca me considerei louco, alguns é que acham. Revolucionário? Isso, talvez. Gosta do termo. E genial? Bom, isso quem diz é o Tavares de Miranda, “não sei se sou gênio ou não”. 

Homenagem a Federico Garcia Lorca (restaurado)

Faz tempo – uns 20 anos – que o bisneto do Barão de Cajuru (herói da Guerra do Paraguai), não joga tênis. Ele recorda seus jogos de tênis com o rei Dom Manuel II, em Portugal, e com Santos Dumont em São Paulo. Deixou o “hobby”. Ao cinema não vai mais. Seus amigos mais chegados são Warchavchik, Geraldo Ferraz, Luiz Martins, Sérgio Buarque de Holanda, o pintor Toledo, de Campinas, a cantora lírica Maria Karesca, o maestro Eleazar de Carvalho, Delmiro Gonçalves, Almeida Salles, Benedito Paretto, Burle-Marx, Graciano, Bardi, Di Cavalcanti. Sobre a mesa revista de arte da Polônia, esboços desenhos, projetos de arquitetura, milhares de fotos, organizadas por assunto, em pastas especiais, de toda sua obra. Engenheiro civil, arquiteto, escritor, pintor, desenhista maior. Informa que em 72 prepararam a retrospectiva completa de sua obra. Uma obra que, ele sabe, “não vai para o fundo do porão” (Sérgio Milliet). 

Está no pequeno terraço, olha o horizonte da cidade grande e perdida, o telefone toca, mas Flávio não atende. Aperta os olhos, as sobrancelhas são espessas, negras. 

– Fui chamado por Le Corbusier de “revolutionnaire romantique”, por Assis Chateaubriand de “pintor maldito” e Jean Paul Sartre e Simone de Beauvoir exclamam frente à minha pintura: “Ca c’est quelque chose” 

 E mais: 

Sérgio Milliet: “Não irá para o porão dos museus”; 

O professor Bardi: “...é um ponto de partida”; 

José Geraldo Vieira: “...um dos maiores da época atual... o reformador museológico do retrato...” ;

Quirino as Silva: “...a impostura não conseguiu encontrar abrigo na sua obra...” 

E o poeta Antônio Rangel Bandeira se exprime: “...na Série Trágica (a mãe morrendo) um dos maiores momentos da arte brasileira e sem dúvida um das mais expressivas manifestações do desenho contemporâneo; 

Michel Simon em Paris: “...sa peinture respire la même imprudence de ses paroles, Soutine, Terechkowich, Van Gogh, dans la periode des soleils dements. Dans ses portraits il ne cesse de jouer avec le feu... Les dessins de Flavio brûlent comme ses portraits” ; 

Geraldo Ferraz: “... não sei por que, mas Flávio de Carvalhjo me lembra por tudo o herói de Nietzsche” 

Lúcio Costa - Flávio de Carvalho - Gregori Warchavchick

Benedito Paretto: “você é o maior desenhista vivo das Américas”; 

Enrico Schaeffer: “ ...maior desenhista do país, a quem tato deve a geração atual ao seu trabalho pioneiro”; 

Enrico Schaeffer: “... maior desenhista do país, a quem tanto deve a geração atual ao seu trabalho pioneiro”. 

Delmiro Gonçalves: “... Flávio de Carvalho passou a fazer parte do folclore urbano de São Paulo”; 

Francisco de Almeida Salles: “A escala de sua obra é internacional e por ser vasta e complexa ainda não permitiu o necessário recuo dos contemporâneos para contemplá-la na sua unidade e no seu fabuloso poder libertário”; 

Arnaldo Pedroso d’Horta: “Vá ser Flávio de Carvalho”; 

Paulo Dantas: “... seu mundo é colorido e sanguíneo, carregado de uma danação sagrada”; 

Newton Freitas: “Trae de los pajaros, el calor de las plumas, y de las nubles, se las puede alcanzar, la ligeireza humeda. De la carne, aun de la materna, arranca el pensamiento que transforma a sua pintura... y de la experiencia viva...” 

Rosto de Glória

Eduardo Mercier: “A participação de Flávio de Carvalho no esforço de revelar essa nova fisionomia plástica do homem de hoje não pode ser subestimada. Ela manifesta-se em suas dimensões quase desumana, trágica infausta, alienada, isolada num ambiente unidimensional da nossa sociedade tecnológica; 

Luciano Budigna (Roma): “Le sue opere adquistano d’intensità e consentono um approfondimento estetico da vero emozionante...”; 

Guido Puccio: “...retrato de Ungaretti: uma obra notável!” 

Paulo Mendes de Almeida: “Fláviusque tandem abutere patientia nostra; 

Governador Abreu Sodré: “Flávio é um louco divino”; 

Luiz Martins: “... esse engenheiro civil é um poeta, um poeta que, ao que me consta, nunca escreveu versos”; 

Retrato de Mário de Andrade

Gilberto Freyre: “Flávio de Carvalho arregala os olhos de doido, para ver o mundo. Por isso vê tata coisa que o adulto todo sofisticado não vê”;

Gilda Marinho (Rio Grande do Sul): “...é o Jean Cocteau brasileiro...”; 

Fernando Corona: “Os retratos que pinta são como radiografias de linhas que se encontram no infinito”; 

Elcio Calage: “Ele, na sua atitude de combate a toda acomodação, talvez uma porta para... quem sabe?”; 

Vera Zilio: “Todo o percurso de sua surpreendente trajetória pela arte é impossível de até mesmo sintetizar”. 

E finaliza Flávio de Carvalho: 

– Não pretendo mudar muito – conclui Flávio de Carvalho. Estou no fim da vida... Continuarei assim, pintando, desenhando, escrevendo, estudando... O que depender de mim será feito sempre com cuidado e arrojo... De juris é que não quero depender, não gostam de minha obra... Quero voltar a receber gente, os amigos fraternos... Ainda vou ver o nosso Brasil ser o gigante do século XX 26/12/71

Flávio de Carvalho - Auto retrato

Flávio de Rezende Carvalho é engenheiro civil, arquiteto, escritor e membro do Instituto de Engenharia de São Paulo e do Instituto dos Arquitetos do Brasil. Em quadros na Galeria de Arte Moderna de Roma; Museu de Arte Moderna de Nova Iorque, Museu de Arte Moderna de Paris, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu de Arte Moderna da Bahia, Biblioteca Municipal de São Paulo, Museu de Arte Contemporânea de São Paulo (USP), Museu de Arte Brasileira de São Paulo (FAAP), Museu de Arte de Campos do Jordão, Museu Pushkin de Belas Artes de Moscou, Pinacoteca de Manaus, Museu Paretto de Socorro, SP. 

Premiado com Medalha de Ouro na IV Bienal de São Paulo para Cenários do Bailado “A Cangaceira”; Grande Medalha de Ouro do XV Salão Paulista de Arte Moderna, Sala Especial na VII Bienal de São Paulo; Sala Especial Permanente no Museu de Arte Brasileira da FAAP; Grande Prêmio Internacional na IX Bienal de São Paulo; Sala Especial na XXI Bienal de São Paulo, 1971. 

É autor das seguintes obras: “Experiências Nº 2”, em 1931, uma das primeiras obras sobre psicologia das multidões e realizada sobre uma procissão de Corpus Christi, quando o autor quase foi linchado. “Os ossos do mundo”, 1936, contendo uma nova teoria da História. “L’aspect psichologique et morbide de l’Arte Moderne”, Pari, 1937; “O Bailado do Deus Morto”, um bailado declamado e cantado, que provocou o fechamento pela polícia do seu Teatro de Experiência, em 1933; “Dialética da Moda”, publicado no Diário de São Paulo, em 1956; “Notas para a Reconstrução de um Mundo Perdido”, publicado no Diário de São Paulo, em 1957-58 e apresentado em t esse, à convite, no Simpósio “O Homem e a Civilização”, na Faculdade de Medicina da Universidade da Califórnia, EUA, em janeiro de 1962, “A Origem Animal de Deus, 1967, etc... e inúmeros artigos na imprensa de São Paulo e do Rio de Janeiro.

STOCKINGER

Stockinger (1919 - 2009)

Stockinger, gaúcho gamado, escultor guerreiro 

– Faço escultura, porque gosto de fazer escultura. Aos 27 anos de idade, após outras profissões, larguei tudo para me dedicar à escultura de corpo e alma. Foram 20 anos de necessidades e privações, e, apenas nos últimos 5 anos, meu trabalho de escultor tem-me proporcionado bom nível de vida, com casa própria, oficina e automóvel. Faço escultura como gosto e como me sinto predisposto a fazê-la e não de acordo com a vontade ou pretensões dos outros. No dia em que abrir mão dessa diretiva, deixo de ser artista, para ser um fantoche. Finalmente, faço escultura como as limitações permitem. Em geral são guerreiros, mulheres, touros e cavaleiros, um tanto violentos, não por eu ser de índole violenta, mas, sim, porque o mundo diariamente me agride de mil formas diferentes. Minhas esculturas são, assim, reações a esse mundo cruel. 

Magro, louro, bigodudo, a malha de lã protegendo do frio do minuano, Stockinger abre a porta de sua bela e ampla casa no Cristal. Ele ouve pouco – faz glosa com isso – mas é alegre, vivo e perspicaz. Um austríaco que se naturalizou brasileiro e, mais ainda, gaúcho. – Trabalho a manhã toda na oficina e, depois do almoço caseiro, vou para o jornal fazer uma charge esportiva, daí dou uma voltinha pela rua da praia, visito uns amigos e me mando de novo para casa. Quando há necessidade, me todo novamente para a oficina, caso contrário, leio alguma coisa até a hora do jantar. Aí, então, chega algum amigo, e, com um bom papo, vamos tomando umas e outras... 

A mansão, projeto dum arquiteto amigo, Milton Flores da Cunha Mattos é de bom gosto extremo, quer pela arquitetura, como pela cuidadosa decoração. As salas de visita e jantar, separadas apenas por um degrau, formam um ambiente único refinado e agradável – e do teto, num dos cantos, pende uma bela rosácea de vidro colorido, que deixa a luz do sol perpassar em tons azuis, verdes e vermelhos. Pelas paredes, Yeda, sua mulher, colocou um óleo e tapeçaria de Mabe, óleos de Scliar, Gutierres, Volpi – e, ao longo do ambiente, esculturas de Bruno Giorgi, Grassman, Brecheret e do próprio Stockinger (uma só). Em cima, após um lance de escada, no “hall” que leva aos quartos e à biblioteca, mais obras selecionadas – dois Rebolo, Toyota, um cuzquenho, Hadelen, Vergara, Cordélio, Gesa Heller, Carybé, Mabe, Danúbio Gonçalves Gutierrez, Aldemir Martins, Maria Leontina, Carmélio Cruz, Elias, José Antônio da Silva, Manezinho Araújo, Fernando Coelho. Na biblioteca, também bem ampla, a moderna lareira, e objetos que coleciona – conchas, pedra, cerâmica popular; e ainda uma tapeçaria de Nicola, quadros de Ianelli, Leo Dexheimer, Fukushima,Maria Poelo e Milton Dacosta. Stockinger olha pela janela-parede, toda de vidro, vê o Guaiba e um cinematográfico pôr-do-sol. Continua a falar: 

– À noite, quando não chega ninguém, subo, vou desenhar e ler. Em dia de exposições, em geral, saio, para rever os amigos e manter contatos com outros artistas. Aos domingos vou ao futebol, torcer pelo meu Internacional Esporte Clube. E todas as segundas-feiras à noite, jogo bolão nesse clube, evidentemente regado com muito chope... Gosto muito de ler, infelizmente, não me é possível ler o quanto deveria. Aprecio muito Camus, Dostoievski, Tolstoi, Gabriel Garcia Marques, e, dos nacionais, Lima Barreto e Marques Rebelo, e ainda muitos outros. Costumo ler tudo, até estórias em quadrinho. 

Stockinger mostra agora o ateliê espaçoso, enorme, só podia ser assim o ateliê de um escultor que trabalha geralmente grandes peças. Seu local de trabalho fica nos fundos da casa, além de um terraço florido, repleto de roseiras. Ele gosta de trabalhar com pedra, mármore, granito e metais. Pretende construir, no terreno ao lado, que espera comprar, um ateliê ainda maior. Enquanto anda, misturam-se às suas pernas, os dois cães de estimação, “Garrincha” (enquanto pequeno tinha as pernas tortas) e “Elza”. Os dois “fox-terrier” estão sempre com o escultor no ateliê, e, segundo Yeda, não deixa Stockinger nem quando ele tira sua sesta diária de 15 minutos, após o almoço – e, também, após o jantar. Ambos gostam demais das praias de Florianópolis, vão comprar um terreno na Lagoa da Conceição, para, mais tarde, morar lá. Eles gostam de viajar e cultivam bons amigos – Rebolo, Mabe, Grassman, Fukushima, Nicola, Fernando Silva, em São Paulo; e, no Rio, José Pedrosa, Milton Dacosta, Fernando Sabino, Francisco Assis Barbosa, Antônio Houaiss. Em janeiro, foram até o Paraguai, e, no próximo verão pretendem ir ao Peru, de carro. Stockinger quer conhecer as esculturas do Egito e Grécia. 

– Para falar a verdade. Não sei falar sobre a arte brasileira atual. Sinto tantas dificuldades em fazer as minhas próprias coisas que não ouso comentar as coisas dos outros. Só sei que, diante do mundo, não aqui não somos de muita importância... Quando se é jovem, pensa-se que se pode explodir o mundo através da arte, mas, depois, quando se fica mais velho, a gente se compenetra que não se explode... “bulhufas”. Mas é bom que exista esse espírito de revolta na juventude; é ele que abre muitos novos caminhos. 

D. Ethel, sua mãe, de origem inglesa, é uma graça de mulher. Ela fala bastante e junto com os filhos de Stockinger, Jussara (terceiranista de direito) e Francisco Antônio (terceiranista de economia) contam coisas pitorescas sobre o escultor. Sua mania de colecionar tudo – conchas, pedras, martelos; seu “hobby” por plantas, especialmente por rosas, que não deixa apanhar; sua predileção por um bom feijão com arroz, diariamente; seu gosto por cozinhar, inventar pratos, de cozinhar para os amigos gaúchos, Sonilton, Dexheimer, Henrique Furho, e outros; desenhou ultimamente duas tapeçarias, que Yeda está bordando e um vizinho, e-corretor de automóveis, quer industrializar os tapetes desenhador por ele. 

Stockinger conta que não participa mais de mostras onde haja premiação (“essas fofocas que atrapalham a arte”). Fala com entusiasmo de seu trabalho como diretor do Museu de Arte de Porto Alegre e de diretor da Divisão de Arte do Departamento de Cultura. Ele foi também um dos fundadores do Ateliê Livre da prefeitura da capital gaúcha, bem como presidente da Associação Rio-Grandense de Artes Plásticas. Em todos os lugares por onde passou, aconteceram coisas pitorescas, como no Ateliê Livre: foi procurado por um servente que lhe mostrou gravuras rústicas talhadas por rudes instrumentos que ele próprio fizera. Stockinger gostou do rapaz, incentivou-o. Hoje, Nestor Tavares, o rapaz de ontem, é artista firmado em terras do Sul, gravador de escultor e é ainda professor de gravura do Ateliê Livre da Prefeitura de Porto Alegre. Ele conta também de seus estudos no Mackenzie em São Paulo onde foi interno durante 9 anos, dos estudos de Meteorologia, de suas andanças como piloto. Em 1947, não podendo continua uma de suas viagens desceu em São Paulo, foi levando por Artur Graciano, ao ateliê de Clóvis Graciano. Clóvis levou-o até Bruno Giorgi – e daí, com seus estudos, lutas e muita arte, para o estágio atual. Só o que ele não quer e voltar a morar em São Paulo ou no Rio. Além do mais, Yeda é gaúcha, e, como ele, gamada pelo Sul. Quer esquecer os tempos “das vacas magras”, suas andanças com Grassmann na Guanabara. Agora, chegam à casa o pintor Carmélio Cruz, e, recém-chegada da Paulicéia, Lisbeth (Susi) Rebolo Gonçalves – ela traz uma encomenda para o escultor o recém criado Centro de Artes Novo Mundo, pede que Stockinger crie o troféu Novo Mundo – o futuro “Saci” das artes nacionais. Stockinger volta a falar de sua arte, o seu sotaque é típico, barbaridades. 

– Faço esculturas, como disse, como as limitações permitem. Fazer escultura não é mole, já fui diversas vezes ao Pronto-Socorro por causa delas... E de quando em quando me surgem nas mãos infecções desconhecidas, provenientes do trabalho em solda, e então tenho de parar... Por causa dessas paradas, para não focar totalmente inútil, comecei a fazer esculturas em pedra. Mármore e granito. São coisas mais suaves, pois, além do material não prestar a fazer o tipo de escultura que faço no metal, o martelar contínuo e monótono relaxa as tensões. As mil tensões do mundo guerreiro de hoje. 16/4/72 

O artesão do fogo e da liberdade 

...O artesão do fogo, que há em Stockinger, maneja certamente a sua soma de probabilidades, dispõe-se a perder tudo se seu ajudante, o fogo, não o acompanhar na transfiguração precedida. Mas pode e sempre leva consigo esta hipótese de conseguir toda a fulguração da imagem entrevista nas esculturas e Stockinger. Essa imagem inúmeras vezes obedeceu à asa em vôo sobre o fogo, mais de uma vez se tornou imagem imaginante que uma fonte aberta na linha, na forma, na fremente epiderme, e então contemplativamente temos ali o instante de plenitude da obra de arte... Na plenitude desses instantes então encontraremos não apenas indicações silenciosas, mas algumas que bem clamam no seu silêncio, quando rompem as correntes e nos falam de liberdade. Pois toda a conceptiva de arte que leva por diante a fé na possibilidade criativa do homem é sempre boa condutora da liberdade; para ela não há o inatingível. E quando Stockinger, através de seus bronzes e de suas correntes quebradas nos fala de liberdade, ele não está deitando manifestos sectários nem pensando em formas sociais ou políticas que marquem uma hora do quadrante... Tal maestria dominadora de elementos, da lava fervente à solidificação fria da forma, faz de Francisco Stockinger o escultor que devemos admirar em suas mil maneiras de expressão. Um expressionista, um figurativo – nele perduram as invariantes das artes plásticas e visuais de nosso tempo. – GERALDO FERRAZ. 

Ante as magistrais e dramáticas esculturas de mestre Chico Stockinger, quem conhece pessoalmente o artista pensa num São Francisco de Assis que, para exorcizar os seus demônios, tivesse criado em ferro e bronze um mundo de pesadelo, povoado de figuras apocalípticas. – ÉRICO VERÍSSIMO. 

Na carne metálica das figuras de Stockinger encontramos todas estas sábias indicações. As texturas elaboradas ao fogo e ao ácido na dura epiderme brônzea correspondem à natureza do metal, que as ostenta com condecorações à sua resistência à violência temporal dos elementos. Não há nada aí de decorativo. Tudo funciona coordenado pela idéia plástica da grandeza vertical das massas, que impõe uma presença humana majestosa. Os volumes imensos, monumentais, erguem-se severos, apesar da escarificação dolorosa, aceitando o tempo verdadeiro, o tempo da luta, o tempo da guerra pela sobrevivência, pela dignidade do ser homem. – CARLOS SCARINCI. 

Desde Bruno Giorgi, dois nomes se impuseram dentro da escultura em metal figurativa (ou alusiva) no Brasil: Jackson de Sousa e Francisco Stockinger. Este último gaúcho está expondo individualmente na Galeria Bonino. Trata-se de um vigoroso construtor de formas animais fantásticas, seres humanos e bichos, com uma conjugação de materiais brutalizantes e perfeitamente fundidos na revelação de organismos compactos. Das epidermes curtidas por erupções e assemblages ressalta o clima de fantasmagoria, de sobrevivência da catástrofe, nestas esculturas ascendentes em sua maioria de inspiração gótica. Paralelamente há um rebanho de touros, volumes atarracados e desafiantes, nos quais o metal se organiza e informa uma força de expulsão, como se os corpos terrestres que forma fosse saltar em desabalada fuga. Nos touros há um clima de beleza viril, de configuração natural despojada e concentrada. Muito importante na pesquisa atual de Stockinger a fusão da madeira com o metal, sem interrupção emotiva e tátil, como se os dois materiais não só se completassem com se autometamorfoseassem, na surpresa do desenvolvimento anatômico dos personagens. O metal assume muitas dezes uma categoria de carapaça, de malha brutalmente rompida, sob a qual assoma a carne opaca e amarelada da madeira, vulnerável, sugerindo a reestruturação da individualidade massacrada. É a permanência do ser. Está evidente a denúncia da barbárie contemporânea nestas belas peças de Stockinger. As nossas guerras, as nossas bombas, o rastro que deixamos á mercê da nossa consciência narcotizada, saltam dessas montagens tortuosas e elegantes tecnicamente virtuosas na integração de um conceito altamente moral. Uma exposição que não pode deixar de ser visitada pela categoria global de sua mensagem e de seu domínio técnico. O artista em alguns momentos exorbita de sua serena visão do desastre, e coloca as carnes sangrentas nas mandíbulas de suas feras vorazes. A imagem do homem assoma sutilmente na cara dessas feras. É o memento desagradável e poderoso da acusação. Da síntese do touro aos banquetes antropofágicos, a força de Stockinger, sua solitária individualidade e sofrido depoimento, confirmam a validade deste rumo da escultura em metal de honrosa tradição. – WALMIR AYALA, Jornal do Brasil, 7/8/1972.

FRANCISCO ALEXANDRE STOCKINGER ( Traun, Áustria 1919 - Porto Alegre, RS 2009). Escultor, gravador, caricaturista, xilógrafo, professor. Artista expressionista de teor arcaizante, com ênfase na produção de figuras sintéticas, por uso de materiais diversos e acabamento áspero. (fonte: Enciclopédia Itaú Cultural).

CARLOS LEMOS

CARLOS A. C. LEMOS

Premiado, intuitivo, mil artes 

Talvez eu seja mesmo, mais que um arquiteto ou um pintor, um artesão gráfico. Não pinto para vender ou ganhar fama, mas por puro prazer. Será que eu sou apenas um intuitivo romântico? 

Carlos Lemos ganhou ultimamente prêmios importantes de pintura – ao lado de Lothar Charoux e Antônio Henrique do Amaral, é o artista mais premiado nos últimos salões de arte moderna. Lançou, com Eduardo Corona, o único Dicionário de Arquitetura Brasileira existente no país: 6 anos de trabalho, 6500 verbetes. Estuda a evolução da habitação popular no Brasil e prepara sua tese de doutorado para defender na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo – onde é professor – até o final do ano. Escreveu três estudos: “A imaginária popular paulista”, “A casa colonial em São Paulo”, “Notas sobre a arquitetura tradicional Paulista”. Forma um loteamento de alto nível na Praia Vermelha da Fortaleza em Ubatuba. Projeta obras em São Paulo – conhecido como um dos arquitetos mais disputados, desde que, recém-formado, dirigiu o escritório de Oscar Niemeyer. Defende, como perito-assessor do CONDEPHAT, nossos monumentos históricos, as edificações antigas, os restos coloniais interior afora. Pinta, nos fins de semana, em seu pequeno feudo rural de Ibiúna, onde é o polarizador de numeroso grupo de amigos do Mirim-Açú. Agora em seu Volks chega em casa, no Jardim Paulistano, junto à Praça Guilherme Kawall, e já vai dizendo à Celina que o programa à noite é ir à Jundiaí, pois o prefeito avisou-o para receber seu mais recente prêmio. Os anteriores foram estes: “Menção Honrosa”, no Salão Paulista de Arte Contemporânea (1970); “Prêmio Aquisição” da Bienal de Santos (1971); Prêmio de Pintura, “Conselho Estadual de Cultura”, do Salão Paulista de Arte Contemporânea (1971) e Prêmio “Cidade de Jundiaí”, do II Encontro de Arte de Jundiaí (1972). A casa não é grande, mas acolhe bem, tem todos os pertences e as artes de um arquiteto-artista sensível e que viaja muito. Senta-se na poltrona de couro. Moreno, forte, saudável, simpático, quase que escondendo sob os óculos de meias-lentes, rosto queimado de sol, os bastos cabelos negros, a timidez aparente.

Estação de Trem - Mairinque/SP

Carlos Lemos, quem é você? 

– Sou Carlos Alberto Cerqueira Lemos, mas gosto mesmo que me chamem de Carlos Lemos, embora possa haver confusão, com outros do mesmo nome. Nasci em São Paulo, em 2 de junho de 1925, na maternidade da Rua Frei Caneca. Meu pai é paulista, gente de Iguape e de Guaratinguetá – minha mãe é mineira, de velhos tronco paulistas de tão decantados quatrocentos anos, cheios de galhos negros, eclesiásticos e judaizantes – Os Cerqueira Leite descendem de um cristão novo, Mendes da Costa. Fiz o curso primário em Sorocaba – só o primeiro e o segundo ano – já fui prô admissão e entrei no ginásio. Fiz o Ginásio do Estado do Parque D. Pedro. Naquele tempo, 1939 e a942, a melhor escola que tínhamos em São Paulo. Depois, Faculdade de Arquitetura Mackenzie, onde fui aluno medíocre – trabalhava fora, quase não ia à escola – nunca comprei um livro sequer, e tampouco um caderno. E como nunca colei em minha vida, considero o meu curso de graduação um mistério total. Só sei que me formei em Arquitetura e já com serviços de importância – logo depois de trabalhar, ainda como estudante, com Bratke, comecei a trabalhar por conta própria e no quinto ano estava fazendo o projeto do Teatro Maria Della Costa. Depois de formado, trabalhei um ano só em meu escritório e no ano seguinte, 1952, fui tomar contado escritório do Oscar Niemeyer em São Paulo. Nessa altura já estava casado com Celina, minha amiga de infância, que já possuía es alturinha de hoje – no dia do casamento parecia que ia fazer a primeira comunhão.

Estação de Trem - Mairinque/SP

A filhinha de Celina e Carlos, Maria Isabel, está pronta para ir à escola, em seu uniformezinho azul e branco do Clube Pinheiros. Como em todos os dias, refuga, faz charminho, não quer ir. Celina e Carlos falam, usam de recursos que os livros não ensinam; afinal Maria Isabel se dispõe a sair para a escola. 

– Como concilia as atividades de pintor e de arquiteto? 

– Engraçado, não me julgo nem pintor e nem arquiteto, não sei explicar bem. Eu gosto é de criar, de improvisar. Poderia ser escultor, ou poeta. Ou musico. Gosto de música – só pinto ouvindo música, desde Bach, Mozart, até Miles Davis ou Thelonious Monk ou Charles Mingus. Gosto de criar. Quando estou projetando, estou imaginando os espaços internos já compostos, ordenados, com suas cores e vou divagando pela arquitetura de interiores afora e quase nunca posso executar aquilo que imagino. Não faz mal, porque eu já tive o prazer de imaginar. Pra minha obra de arte mais vale pelo prazer que me causa ou pelo prazer que possa causar a terceiros. . Tanto que não tenho quadros meus em casa. Eles, depois de terminados, estão mortos. O prazer de pintá-lo é quase que sexual – há prazer na arte de pintar. Há uma fuga. O subconsciente se exprime e daí o fato de eu não saber justificar plenamente coisas que desenho – o porquê de certos pormenores. Acho curiosa a posição de terreiros querendo “interpretar” quadros. E, no entanto, tenho ciúmes deles. Não gosto de dar quadros aquém não gosta muito, muito mesmo, de pintura. A venda de quadros já é outra coisa: a pessoa, comprando, está provando que gostou principalmente agora em que se procura fazer investimentos através de obras de arte. Como eu não tenho nome nem sou consagrado, compreendo que quem compra quadro meu está comprando porque gosta e não está comprando assinatura. 

As salas funcionais, de estar e de jantar ligadas num só ambiente extremamente agradável, santos de barro (imagens paulistas) em estantes apropriadas – mais de 100, toda a imaginária popular paulista do século XVII ao XIX – vasos de vidro, pedras, cerâmicas, artesanato, uma bela cerâmica de Picasso, gravuras e pinturas – “só coisa boa” – de Artur Luiz Piza, Di Cavalcanti (com dedicatória), Maria Leontina, Bonadei, Domingos Toledo Piza (“esse é um dos nossos pintores históricos”), Volpi, Milton Dacosta, Aldemir Martins, Ismael Nery, Antonio Henrique do Amaral, Tomás Ianelli (grande, dominando toda uma parede branca), Goeldi, Portinari (desenho), Waldemar da Costa, Lívio Abramo, Mick Carnicelli (“filho de um alfaiate, um pintor importante e esquecido”). Carlos tem a calma de sempre, recostado à poltrona. Celina já traz à mesa a galinha de cabidela, a pimenta baiana, a couve de Ibiúna, a farofa e outros condimentos trazidos de Diamantina. O casal viaja muito e as descobertas – artísticas, folclóricas, gastronômicas, outras diversas – são profusamente aproveitadas. Carlos come bem, toma seu vinho diário, todos os dias traz gente nova, ou velhos amigos, que lhe disputam as preferência, para almoçar. 

– Como vejo a arte de hoje? Bem, o Brasil é uma colcha de retalhos e como país em desenvolvimento possui, ao mesmo tempo, em seu vasto território, os mais variados estágios culturais e, nesse aspecto, a cidade de São Paulo é um mostruário completo do Brasil. Aqui coabitam primitivos do Nordeste, acadêmicos herdeiros de Pedro Alexandrino e Oscar Pereira da Silva, estrangeiros praticantes de refinada arte oriental, modernos de todas as categorias, desde os improvisados, os intuitivos, os de talento sem explicação até os frios racionalistas filhos da Bauhaus. Evidentemente, dentro dessa mistura desordenada de artistas, dentro de cada uma dessas faixas, existem as pessoas sensíveis, capazes de emocionar, enfim, capacitadas a fazer arte. 

Carlos diz que, sem dúvida, em São Paulo e no Rio há uma ascensão em termos de arte, abertura “antes muito difícil”. 

– É lógico, que há quem faça arte, ou pretende fazer arte, com o fito de vender, de comercializar um produto como qualquer outro. Isso é comum no mundo inteiro, desde o Embu, aos domingos, até a Place du Têatre, em Paris. Mas as nossas escolas e alguns mestres, como o veterano Waldemar da Costa e os jovens dos grupos de José Rezende, Nietsche, Donato Ferrari, Wesley Duke Lee e tantos outros, estão procurando cada vez mais, levantar a arte de nossa juventude, até há pouco tempo, muitíssimo mal orientada, dispersando e desperdiçando valores. 

– Como vê a Bienal, hoje em dia? 

– A gente sempre diz que a Bienal deve ser reformulada. Eu pessoalmente julgo ser a Bienal irreformulável: ou ela será extinta ou continuará na mesma, embora possa usar de mil disfarces. Será sempre uma grande feira, ou exposição competitiva entre países, em que está implícita, antes de tudo, a política. Viraram e mexeram Bienal de Veneza – ela mudou alguma coisa? A premiação extinta é um fato irrelevante. A Bienal deve ser encarada como, formalmente, um grande salão acadêmico em que todos vão se mostrar, depois de referendados pelos seus governos. Ela absolutamente não é um espelho fiel da arte que se procura fazer no mundo, embora tente sê-lo. Em todo caso, há um saldo positivo, porque, sob o ponto de vista didático, um ou outro aspecto interessa aos estudiosos ou artistas. Numa Bienal é uma determinada legação japonesa que nos traz novidades, noutra é a tapeçaria Iugoslávia que atrai, outras vezes é a França ou os Estados Unidos. Em outras, nada interessa em especial, como nesta última.

Ele volta a falar dos jovens que procuram os caminhos de arte, e agora encontram mais oportunidades, e mesmo muitas galerias abrem as portas para suas experiências: Ralf Camargo, Biággio Mota, as lojas de arte aplicada, múltipla, interdesign, etc. Acha os leilões uma forma de comércio como outra qualquer, só que, como nos sebos, muitas vezes se acha obras raras entre a mediocridade – “e, com isso, se elevam os preços de quadros medíocres”. A arte cinética, a arteônica, etc., para Carlos Lemos – que agora já saboreia um doce caipira, falando depressa e com jeito que lembra seus recônditos interioranos – são, a ser ver, artes respeitabilíssimas praticada por gente sensível. “Toda manifestação artística, é óbvio, é lícita e respeitável. No entanto, não sinto vontade e nem curiosidade a respeito delas”. Vai confessando, Celina confirma: 

 –... Não se esqueça de que sou um intuitivo, avesso a racionalismos, tecnicismos e tudo que seja cerebral ou necessite de terceiros para ser executado. Chega a arquitetura cujos resultados práticos diluem a concepção inicial. Talvez isso seja uma reação, quem sabe. Pra mim, a arte tem que ser feita á mão, e ouvindo música. 

Carlos diz que vive bem, correndo muito, vê obras em andamento, dá aulas na FAU, prepara uma tese, redige pareceres sobre monumentos históricos a serem tombados pelo CONDEPHAT, pinta em Ibiúna, recebe e frequenta mil amigos p entre os quais destaca seu fraterno companheiro de há 25 anos e colega de pintura Aldemir Martins – lê jornais, revistas, livros de sua especialidade, o Dicionário vendendo bem, ovinho diário... Os seus irmãos Maria Teresa e Fernando se projetando com, respectivamente, suas tapeçarias e colagens. Não sabe fazer um juízo justo, ou pelo menos dizer uma frase exata sobre ambos, os filhos também do velho pai Avelino e da mãe Júnia. “Como eu, os dois são intuitivos e autodidatas, somos três artífices”, diz Carlos Lemos. 

A “Formiguinha” de Celina aguarda nasala o cafezinho cheiroso. Vai ao telefone agora, convida amigos para uma “pizza” que fará na próxima semana, ali no forninho de roça no quintal da casa. Carlos é pizzaiolo também, afora as mil –artes em que é mestre. 20/8/72. 

O júri do IV Salão Paulista de Arte Contemporânea, presidido por Paulo Mendes de Almeida escolheu “Figura III”, pintura do paulista Carlos Lemos como o melhor trabalho, entre os apresentados e lhe concedeu o prêmio “Governador do Estado”, no valor de 17 mil cruzeiros. As atividades de Carlos Lemos como arquiteto, são mais conhecidas do que seu trabalho como pintor. Com 47 anos, é formado em arquitetura há quase vinte. Lemos estuda, há alguns anos, a evolução da habitação popular no Brasil, e é professor da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da USP. O prêmio do IV Salão de Arte contemporânea, começou na pintura há poucos anos, trabalhando nos fins de semana, ao som de música e fazendo o que ele chama de “uma coisa intuitiva, avessa a racionalismos, tecnicismos e tudo o que seja cerebral”. Assim mesmo, conseguiu ser um dos artistas mais premiados nos últimos anos em São Paulo. (O Estado de S. Paulo – 9/11/72). 

Um construtivo poético 

... – A pintura de Carlos Lemos ressente-se de uma leitura arquitetônica de Paul Klee, embora tenha sido estranhas ao pintor as arquiteturas do grande criador suíço, um dos mais fecundantes artistas deste século. Nem a influência, se houvesse, invalidaria o trabalho de Carlos Lemos, pela procura e pela individualidade que ele carreia consigo: embora sem muita unidade há uma sequência... A sequência é estabelecida por uma orientação geral e fundamental: um construtivo que não abandona o teor poético... Um artista como Carlos Lemos não necessita de recorrer à pauta da colagem, nem às diversões surrealistas. Com uma evocação de trecho citadino, com sua construção, seu sentido plástico, suas relações às vezes inusitadas, ele sabe aplicar a pintura aos seus retângulos pequenos e silenciosos. – GERALDO FERRAZ (A Tribuna – 1966). 

...Carlos Lemos apartou para esses fins-de-semana alguns alqueires bucólicos de superfície híbrida e de atmosfera onírica onde, voltando à infância, armou castelos medievais em margens potamográficas e marítimas, com dragões, pontes levadiças, almenaras, luas e pupilas de prisioneiros. Assim, as suas telas são ainda de cavalete, e o seu repertório é ainda romântico, mas propositalmente como em certos estados de alma de Miró e Klee. Aí é que está a sua especialidade voluntariamente empírica e mística. Diante desses trechos. – JOSÉ GERALDO VIEIRA (Folha de São Paulo – 1967). 

... Aqui são paisagens equilibrados e convincentes em que as cores algo soturnas, mas bem combinadas, são balançadas pelo espírito menos austero do desenho. Finalmente na sala menor da galeria encontram-se quatro pequenos quadros, de ns. 11 a 14, nos quais a pesquisa do comportamento do branco dominante em face dos reduzidos retalhos de cor que o enfrentam, foi bem sucedida. Todos os quatro estão realizados. – ARNALDO PEDROSO D’HORTA (Jornal da Tarde – 1967)

LULA CARDOSO AYRES

Gentil homem, onírico e folclórico 

Lula Cardoso Ayres (1910 - 1987)

Continuo pintando os temas que tenho guardados na imaginação. Nunca fui pintor totalmente abstrato. Os temas figurativos-oníricos estão sempre presentes nas minhas criações artística. Felizmente minha produção artística tem tido a melhor aceitação pelos colecionadores de todo o Brasil... Hoje em dia me dedico unicamente à minha pintura e passo praticamente todo o dia no ateliê. Atualmente o Recife está se tornando um ótimo mercado para trabalhos artísticos. 

Lula come devagar e pouco, num velho restaurante de suas andanças na Paulicéia, o “Le Casserole”. Deixou há pouco a companhia de Renato Magalhães Gouveia, seu procurador em S. Paulo, e dos velhos amigos Francisco Luís de Almeida Salles, Diná e Liz Lopes Coelho, Dulce e José Vasconcellos. Está, como sempre, afável, lhano, expansivo, comunicativo, deslumbrado diante da vida e seduzido pelas boas idéias. Curioso, participante, educado, fiel, um perfeito gentil-homem pernambucano. O ambiente está agradável, Lula vê o restaurante, as barracas de flores coloridas do Largo do Arouche. Está sereno e confidente com sua voz sonora de sotaque nordestino. Recorda: 

– O governador Nilo Coelho promoveu, em 1968, uma exposição individual minha no Palácio do Governo no Recife. No mesmo ano, convidado pelo governador Luís Viana Filho, realize outra exposição no Teatro Castro Alves, em Salvador. Além dessas exposições, participei da primeira, da segunda e da terceira Bienal de São Paulo e até hoje já executei cerca de cem painéis e murais no Recife, em Salvador, em Santos, em São Paulo, em Alagoas e em Natal. Quadros meus fazem parte das pinacotecas do Museu de Arte de São Paulo, do Museu de Arte Moderna e da Fundação Armando Álvares Penteado de São Paulo, do Museu de Arte Modena do Rio de Janeiro, do Museu de Arte Moderna da Bahia e de coleções particulares em diversos Estados, dos Estados Unidos, em Londres, em Lisboa. Em Buenos Aires e, no Brasil, em São Paulo, no Rio de Janeiro, em Salvador, em Belo Horizonte, em Curitiba e no Recife. 

Lula passa às recordações, de novo: 

– Quando morava na usina de açúcar que foi de meu pai, me acostumei a acordar muito cedo. Continuo quase sempre madrugador e começo a pintar, todos os dias, muito cedo. Pinto praticamente durante todo o dia. Desde menino tenho tendência a engordar, sempre fiz regime. Almoço em casa com minha mulher e meus filhos e quando não tenho convites para jantar com amigos, faço em casa uma refeição muito leve. À noite pouco trabalho, a não ser quando tenho alguma encomenda urgente, e descanso do trabalho diurno, conversando com amigos e assistindo despreocupadamente a programas de televisão. Leio muitas coisas ligadas à arte, principalmente livros técnicos de pintura, pois continuo me preocupando muito com a chamada “cozinha de pintura”. E, durmo, geralmente cedo.

Toma dois goles de água mineral. Não tem tomado vinhos nem uísques: regime.

Obra sem título

– No momento estou trabalhando muito na montagem dos desenhos e na limpeza dos quadros antigos para minha próxima a exposição retrospectiva. Tive a honra de ser convidado pelo ministro das Relações Exteriores, Mário Gibson Barbosa, para fazer uma grande exposição retrospectiva no Palácio Itamarati em Brasília, que deverá ocorrer em setembro próximo. Vou mostrar desenhos, projetos para cenários, projetos para murais executados, desenhos de propaganda e pintura de várias épocas. E pretendo trazer no próximo ano minha exposição retrospectiva aqui para São Paulo. 

Bela e simpática como sempre, Lourdes já aponta à porta. Ela nasceu em Portugal. Casou-se mocinha (16 anos) com Lula, no Recife. 

Mulher rendeira

– Sou casado e feliz com Maria de Lourdes Silva Cardoso Ayres,r verde do meu Recife, do meu Pernambuco. Fala com indisfarçável orgulho de seus amigos de São Paulo: 

– Em 1971, ao completar 25 anos de sua primeira exposição em S. Paulo, realizada na Livraria Galeria de Barros, o Mulato, na Rua Barão de Itapetininga, meus amigos, liderados pelo ex-governador Roberto Abreu Sodré, ofereceram-me uma grande recepção, na residência do “cap” Pedro Luiz de Toledo Piza... Estiveram presentes, entre outros, Tarsila do Amaral, Warchavchik, Volpí, Rebolo, Graciano, Duke Lee, Darcy Penteado, Quissak Jr, Mario Schemberg, Luiz Martins, Di Petre, Sofia Tassinari, César Luís Pires de Melo, numa festa que muito me comoveu... Neste ano de 1972, participei em S. Paulo, como convidado especial do Governo do Estado, de várias comemorações do cinquentenário da Semana de 22, e, no Museu de Arte, a convite do Centro de Artes Novo Mundo, ao lado de Warchavchik e Oswald de Andrade Filho. Debati com estudantes, durante horas, aspectos do movimento modernista brasileiro... Ainda neste ano, exporei em Brasília, numa grande retrospectiva de minha obra, convite do Ministério das Relações Exteriores e, depois, em S. Paulo e Rio de Janeiro (cinquenta anos de pintura)... Mas isso, já em 1973. 

Rainha do Maracatu

– Atualmente a pintura brasileira está tendo magnífica aceitação, graças às promoções dos museus e galerias de arte, onde os pintores jovens têm oportunidade de aparecer, o que não acontecia com os da minha geração. Pintura acentuadamente regional ou de aspecto universal só é válida quando tem boa qualidade. As homenagens que tenho recebido dos artistas e intelectuais são os maiores estímulos para minha pintura. Lourdes, minha esposa, é a maior colaboradora das minhas atividades artísticas. Nunca me liguei a grupos, sempre fui muito independente. Nada mais desejo que ser um profissional da pintura. 

– Mesmo quando auxiliava meu pai na usina de açúcar, nunca me animei a ser industrial e lá, no interior de Pernambuco, estudava e praticamente era só pintor. Desde 1944 não tenho mais ligações com empresas industriais de açúcar e atualmente minha única atividade é a pintura. Vivo unicamente de minhas atividades artística e abandonei também a atividade de professor de pintura que exerci durante 25 anos na Escola de Artes da Universidade Federal de Pernambuco. Atualmente sou boêmio aposentado, vivo exclusivamente da pintura, com a felicidade de ter Lourdes ao meu lado e de estar criando meus filhos, esses dois rapazes, descendentes de uma raça de pernambucanos, herdeiros de portugueses, de rara linhagem de artistas caricaturistas da Europa – João e Luiz, que são os meus melhores quadros. 

 O almoço vai chegando ao fim, Lula aceita o cafezinho sem açúcar, sai lentamente, vai até o Pepe’s, bater papo com a patota. 

18-65-72

Folclore 2

O real e o imaginário na arte de Lula Cardoso Ayres 

A grande importância de Portinari é o seu desenho, uma base de estudos sobre a qual construiu a sua pintura e o grande mérito de ter sido o que abriu caminho. A validade artística dos primeiros modernistas brasileiros foi aos poucos sendo reconhecida por intelectuais e críticos porque seus trabalhos se assentavam sobre uma infraestrutura de muito estudo, pesquisa e trabalho. A revolução colorida da pintura descendia do desenho, como descendia da revolução universal das artes. Não se estava improvisando, estabelecia-se uma nova consciência artística. Sobre as raízes e influências que elas sempre tiveram na minha criação artística, elas não podem ser abandonadas, mas devem ser tomadas apenas como ponto de partida para soluções pictóricas. Não sou um pintor realista no sentido estreito da palavra, como adepto da escola realista. Pinto muito mais o infra-real, a sugestão imaginária das coisas, do que o tema em sua simples geometria visual. Nunca segui qualquer escola nem pertenci integralmente a grupos. Nunca fui tribal. Como as escolas de pintura influíram ou me seduziram? O abstracionismo foi importante para todos os pintores. Eu próprio registro em minha pintura, num determinado período, a busca do abstrato, embora nunca tenha chegado a pintar dessa forma. Os pintores deixam um pouco de contar histórias, de procurar temas exatos e foram buscar soluções puramente pictóricas, uma metalinguagem em pintura. Assim como um processo de revisão do pintar, a luminosa pesquisa da cor, o abstracionismo valeu com a necessária temática para um crescimento. Até que se esgotou pelas limitações que se impôs. A influência do surrealismo sobre a minha pintura se fez em termos ideais. Ele nega o especifico da sedução por um determinado pintor surrealista. Não tive um mestre dentre eles, embora considere que grandes mestres surrealistas transformaram as concepções da pintura, como é o caso de Salvador Dali. A minha intimidade com o surrealismo pairou sempre no plano ideal, na aproximação do pensamento, no mesmo sentimento do absurdo dentro da realidade, na criação de uma pintura desligada da matéria. A minha pintura é uma realidade surreal. De outra forma, o cubismo jamais exerceu diretamente qualquer influência marcante sobre meus trabalhos. Os parentescos não foram possíveis quanto ao tratamento formal. A geometria cubista ficava distante da enorme liberdade imaginativa e fantástica, vizinha do sonho e do irreal, que foi a minha constante estética. No entanto, registro minha concordância com a teoria básica dos cubistas, – pintar o que se sabe e não o que se vê – pela essência filosófica da proclamação de uma liberdade necessária ao artista, que se desvincula assim da servidão à realidade concreta visual. Lula Cardoso Ayres (Depoimento a Bisa Junqueira Ayres, “Tribuna da Bahia” – 30/1/71).

MOACIR ANDRADE

Pintor telúrico e diluviano da Amazônia 

– Sempre pintei temas amazônicos... Sinto-os intensamente... É para mim imperiosa necessidade fixa-los, interpretá-los, num registro cotidiano que me fascina... Pinto constantemente, pintar é a profissão em que me realizo... A minha arte sempre me dominou... E é através dela que procuro expressar o meu universo e atingir a universalidade que é uma maneira de tornar compreensível por todos o que tem aparentes limitações locais... As cores, os temas, as formas que crio, são a minha mensagem de artista, que vê no seu semelhante o seu irmão homem... Eu me sinto plenamente integrado ao mundo amazônico, tão rico em colorido, sol, águas e lendas. 

Quem fala assim é um caboclo legítimo, conhecido em todo o Brasil e vários continentes como autor de uma obra pictórica vigorosa, extraindo da paisagem, da vida, das tradições, das lendas, dos costumes, do riquíssimo folclore da Amazônia, a inspiração maior da sua arte – Moacir Andrade. Irrequieto, falante, bem-humorado, queimado do tórrido sol do Inferno Verde, cabelos esvoaçantes, está sentado numa cadeira de balanço, em seu ateliê, uma construção nos fundos de sua casa, Rua Alexandre Amorim, junto da Igreja, Manaus. Ali, entre as tralhas que traz de suas andanças pelo interior do Estado, suas telas antigas e novas, santos de madeira, peças iconográficas e folclóricas, Moacir tem recebido gente importante que aporta a Manaus, conduzida pelo turismo local à casa “do maior pintor da Amazônia”: Jean Paul Sarte, Jean Paul Belmondo, Margor Fonteyn, Gilberto Freyre, Ferreira de Castro, Carlos Lacerda, Raquel de Queiroz, Manuel Bandeira, P. M. Bardi, Manabu Mabe, Flávio de Carvalho, Jorge Amado, muitos outros. Enxuto em seus 45 anos, ele vai contando despreocupadamente, olhado pela janela o seu ameno e arborizado jardim, onde cultiva cuidadosamente as plantas típicas da flora amazonense. 

– Sou filho de pai pernambucano e índia cabocla amazonense e passei minha infância à beira do Solimões, pescando e olhando os “reboques” passarem, ouvindo estórias de bicho-de-fundo, do encantado, da cobra-grande, botos, tucunarés, traíras... Em Manaus cursei o primário e o secundário, e acompanhava meu pai como empreiteiro de obras... Já nessa época gostava de desenhar e pintar. Fazia em Nova Esperança bonequinhos de barro, brinquedos, desenhava na areia casas de caboclos, galinhas, peixes... Sempre gostei de peixes, e acontece também que sou de março, signo de Peixes... Em 1954 fui para o Rio, vivi na Lapa, peguei ainda uns restos da boemia romântica da Lapa, passei fome, lavava roupa para estudar e, afinal, tirei o curso de museologia do Museu Histórico Nacional... Voltei a Manaus, mas como museólogo não fiz nada... Atirei-me aos projetos de construção de casas, tornei-me uma espécie de empreiteiro e construto. Acho que fiz umas 5 mil construções aqui até hoje... E sempre continuei desenhando e pintando. 

Conta que já em 1955 vendeu alguns quadros, e o grande pulo ocorreu quando conheceu Adalberto Ferreira do Vale, o “Pororoca”, que então construía o Hotel Amazonas em Manaus. O empresário da terra, radicado em São Paulo, foi seu maior impulsionador e Mecenas, propagando sua arte e comprando seus quadros, que dava aos amigos em São Paulo, Rio e Brasília, com sua prodigalidade famosa e saudosa. Foi o “Pororoca” quem levou Moacir Andrade a expor no Brasília Palace Hotel e no Palácio Alvorada, em Brasília, nos inícios da capital federal, quando Juscelino Kubistchek se encantou com sua arte feérica e telúrica... Moacir vendeu 30 telas, num só dia, a JK, ministros, embaixadores, gente importante, “e tudo aí para a frente mudou em minha vida”, diz Moacir. – Fui para São Paulo, passei 4 meses em contato com artistas, expus no Museu de Arte, com o incentivo do professor Bardi. Voltei à minha terra, já reconhecido como artista, onde expus na Biblioteca Pública, e até os governadores, uns após outros, passaram a me apoiar, de Artur César Ferreira Reis a Danilo Aerosa... Fundei o Curso de Pintura do Museu do Estado, onde leciono, o Museu de Arte Iconográfica, a Escolinha de Arte da Prefeitura, a Pinacoteca Pública, vários museus do Estado. Passei a estudar nosso folclore, nossas tradições e, claro, a pintar sempre... 

– Vive exclusivamente da sua arte? 

– Sim, já há algum tempo deixei as construções e uma empresa da qual era diretor administrativo... Pinto um, dois ou três quadros por mês, que vendo a 2, 3 mil cruzeiros cada, os menores... Os maiores custam uns 5 mil cruzeiros... Se pintasse 20, 30 quadros por mês, teria colocação certa, mas não dá... Em São Paulo, eles são vendidos “No Sobrado”, do meu amigo Hélio Grimberg. Também dou aulas na Escola Técnica de Manaus, sou professor de Desenho Técnico, o tempo não chega... Além disso, pesquiso, leio, escrevo, toco piano nos saraus dos amigos, converso, me divirto, aproveito os dias e noites de calor mais forte para tomar banhos memoráveis nos igarapés escondidos no nosso rio formidável... De 1958 para cá, já pintei uns mil quadros, interpretando a paisagem, o homem amazônico e o nosso folclore, que é dos mais ricos do mundo. 

– Considera-se um primitivo? Acha semelhança em sua pintura com a de Chico da Silva? 

– Não, não me considero um primitivo... Em pintura, como em tudo, na vida, sou um autodidata, não tive professor em arte nem qualquer influência... Faço uma pintura de raízes regionais, inspirada no mundo da Amazônia e nas recordações sentimentais da infância... Quando muito eu seria um primitivo folclórico erudito... Quanto ao Chico, conheci-o no Ceará quando lá expus certa vez, parece-me que ele era vendedor ambulante ou coisa assim, era meio amalucado, detraqué... Posteriormente vi seus quadros e gostei muito... Ele é um ingênuo em todos os pontos de vista... Não tenho intimidade com Chico da Silva, não o imito... Se tivesse de imitar alguém, preferiria Di Cavalcanti... 

Moacir Andrade acha estar a arte brasileira em extraordinário desenvolvimento, já existe um mercado de arte aqui, como na Europa – ele já viajou aos Estados Unidos e várias vezes à Europa – grandes galerias, bancos financiando a compra de quadros, leilões, etc. Moacir representa o Museu de Arte Contemporânea de São Paulo em Manaus e esta a par de toda movimentação que seu diretor, Walter Zanini, vem imprimindo aos movimentos de arte, principalmente estimulando os jovens e mais autênticos valores da pintura, escultura, desenho e gravura. 

– Os jovens recebem agora estímulo para fazer arte, e nós, os artistas de mais idade, continuamos com as bienais... Concorri a duas delas, e não quero mais saber... Acho válidos todos os movimentos de arte, do primitivismo à “pop arte”, à arte eletrônica – pois o homem não se escraviza cada vez mais à máquina? – à arte-objeto, aos múltiplos, etc... O artista è o intérprete do mundo e tem de fazer arte, hoje, até com computador... Um quadro não deve ser uma estória em quadrinhos, mas deve ter cada tema bem desenvolvido, deve ser um documento que represente e interprete a cultura do meio onde vice o artista, seu autor. 

A Coroa do Divino - Moacir Andrade
Acervo particular de Ricardo Barradas - RJ

Moacir Andrade conta de suas viagens, de suas andanças, pelo interior da Hiléia, fala dos estudos dos filhos jovens – Gracimoema, Graciema, Lúcia Regina, Maria do Carmo, Raimunda, Moacir Júnior. Seu dia começa às seis da manhã, toma café, lê (jornais locais e de São Paulo e Rio, mas só artigos assinados), sai, trabalha, pinta, almoça em casa (come de tudo, “sou boa boca”), vai à Escola Técnica, dá aulas, volta à casa, pinta, sai à noite, um pouco de andanças com os amigos, “uma vida de trabalho, de boemia, de vida solitária também”, confessa.” Não sou de rodinhas, sou paciente, não me aborreço facilmente, tenho um bom temperamento, a vida é tão efêmera... Gosto de ajudar as pessoas, abomino as guerras, os conflitos, somos afinal todos iguais, todos irmãos, com amor e paz pode-se construir um mundo melhor”, diz Moacir Andrade. O jornalista Altair Taury Filho, de “A Notícia”, diz que Moacir é o cartão-postal da arte amazonense, está sempre disposto a receber os forasteiros, gente famosa que leva também por Manaus em suas andanças curiosas, na sua perua Rural que anda de teimosa, com mil badulaques e defeitos insólitos. Moacir já se ergueu, fala como se fosse para si próprio: 

– Tenho corrido a Amazônia, o nosso Brasil, o mundo, aprecio muitas belezas, os museus, a arte contemporânea... Mas nunca permaneço muito tempo fora... Sinto o chamado da minha terra, uma desesperadora nostalgia me faz voltar à Amazônia, essa minha Amazônia, rica de colorido, sol, água, lendas, folclore... Volto voando, volto à jato, para rever tudo isso que me fascina e integra o meu cotidiano... Sinto correr dentro das minhas veias a água do Amazonas... Não é metáfora, não, pois é com essa água que mato a sede, e ela integra, portanto, a parte liquida do meu corpo... A Amazônia que progride com a Zona Franca, os incentivos fiscais, os turistas, a prosperidade de seu povo, essa a Amazônia da minha arte – feérica, telúrica, lendária, colorida, mágica e universal. 12/11/72. 

Um recriador da ecologia feérica e cósmica 

– Moacir Andrade submete, em disciplinados espaços de arte – galos de tapeçaria. Cintilação de mosaicos e magia de presépios – os paroxismos de seu diluviano zoorama, feérico epos de fauna: peixes, leviatãs, dragões, harpias, perlados de fria espuma e ocelados de recordações oníricas, à luz de um amarelo a um tempo telúrico e transcendente, apanha assim em tensa ronda a vida do grande rio e grava nos olhos de xerimbabos abissais a desmesura e selva, a cósmica, calada essência da Amazônia. – JOÃO GUIIMARÃES ROSA. 

– Não conheço nenhum outro grande pintor da Amazônia, outro que tenha sido assim tão carne e sangue de seu povo, que se tenha lançado á tarefa imensa de recriar em termos da arte, esse mundo sem fim... Moacir Andrade apossou-se da realidade amazônica em sua essência mais íntima... – JORGE AMADO. 

– Nas obras deste emérito pintor, estão cristalizadas toda a grandeza cultural do povo amazonense e a síntese de sua ecologia. Sua permanência aqui é por si só, uma contribuição permanente e, sobretudo uma garantia para a educação da juventude. Já o conhecia de nome, agora tive o prazer e honra de conviver com ele. – GILBERTO FREYRE. 

– Somente um filho da Amazônia seria capaz de captar com sensibilidade os costumes da grande planície amazônica com toda a vibração e originalidade que caracteriza o povo do Norte. – RAQUEL DE QUEIROZ. 

– Seu traço apanha o vivo, o movimento e dá graça às figuras. – VERA PACHECO JORDÃO. 

– Moacir Andrade fixou em seus quadros o cromatismo regional de sua terra; seus batelões, suas feiras e seus carregadores de bananas, são plenos de amazonismo. – JOSÉ GERLDO VIEIRA. 

– Moacir Andrade é o maior pintor da Amazônia. Ele a sente e por isso a expressa como ninguém ainda o fez, com a percepção maravilhosa da riqueza cromática da floresta, de espantosas tonalidades verdes. Ali, uma só cor apresenta fantástico matiz. Há múltiplos tons do verde que se caracteriza pela riqueza da clorofila, como em nenhum outro lugar da terra. Com seu pincel mágico, Moacir Andrade consegue integrar-se na paisagem e também integrar o observador. Pode-se dizer que é quase audível o vento que perpassa na folhagem e arrepia as águas. – BARROS FERREIRA. 

 – É uma pintura maravilhosa, que sempre me trará felicidade, pois levo-o comigo. Foi providencial a minha vinda aqui por Manaus. – MARGOT FONTEYN.